La música de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) abarca los años del clasicismo musical. Nació cuando el nuevo arte ecléctico estaba al comienzo de su prominencia. Su música era una verdadera síntesis de estilos, en un momento de equilibrio único entre la invención y el cumplimiento de las formas musicales. Durante este período, Mozart completó unos seiscientos trabajos en todas las formas (sinfonías, sonatas, óperas, opereta, cantatas, arias, duetos) y otros. Mozart fue un maestro compositor de la ópera, la sinfonía y la sonata de piano, que definió el clasicismo musical. El clasicismo
se definió en un período en el que el ideal era una medida completa de corazón y cabeza. Un buen músico requirió fuego emocional y habilidad intelectual. El avance del estilo clásico se produjo justo después del punto medio del siglo XVIII. Fue representado por el nuevo grupo de alto prestigio. Una cadena Ripieno con instrumentos de viento agregados se llamó la orquesta, y el nuevo tipo musical que tocó el nuevo grupo fue la sinfonía (Pauly 12-78).
Los 1760 fueron los años pico para el Divertimento, que fue una digresión, como en el episodio de un movimiento Ritornello o una fuga, y un entretenimiento. El Divertimento retuvo su relación con la suite, siendo una sucesión libre de movimientos, a menudo incluyendo bailes. Oratorio, fuertemente basado en el ideal de contraste barroco, se suspendió, junto con la composición para el órgano (un instrumento que incorpora las preocupaciones espaciales del barroco). El elegante instrumento fue el Harpsichord virtuoso, luego el piano. El piano era el instrumento ideal del nuevo estilo: conciso en el espacio y capaz de una gama significativa de sutileza interna y una textura superficial elevada que era el sello distintivo del estilo clásico. La nueva forma instrumental del piano fue la Sonata. La ópera se redefinió en términos clásicos (Pauly 15-78).
Durante el período clásico, lo puramente teatral no fue suficiente, la música se usó para crear una tensión dramática. Una forma moderna de ópera ligera, el Singspiel, en Alemania, como la ópera de balada anterior en Inglaterra, y la ópera cómica en Italia y Francia, presentó a la gente común en entornos ordinarios (en lugar de los dioses y héroes de la Gran ópera) (Germiniani 15 -78).
El estilo clásico hizo uso de tres registros básicos-top, medio e inferior, igualmente definitivos y capaz de compartir las tres funciones musicales de presentar un sujeto, proporcionar la estructura armónica y ofrecer la ofrenda un contratsubect. Básico para los contrastes del estilo fue el contraste complementario de los ataques, los modales de abordar los instrumentos, que es otro tipo de textura, una textura de superficie (Pauly 47-60).
En el estilo clásico, pocos Las notas fueron arrastradas, y estos fueron generalmente pareados o dos grupos de notas, que se jugarían Legato. También popular fue la figura punteada de dos notas, ya sea una octava punteada más un decimosexto o su reverso. Era una entidad separada en el rendimiento, separada de lo que siguió. La repetición y el contraste directo fueron redefinidos. La repetición en el estilo clásico no estaba vinculado a reexpresiones literal, secuencial o decorada. Podría repetirse con un ritmo diferente o una armonía diferente, incluso dentro de un contexto tonal diferente. Podría aparecer en un registro diferente sin tener que cambiar su función. Esta repetición con la variación se conoció como desarrollo, y esta técnica fue el núcleo del experimento clásico (Eisen 89-100).
Las sinfonías de Mozart fueron ejemplos del estilo clásico puro. El quinto de las siete sinfonías que escribió en 1773, Sinfonía en B-Flat, K. 182, representa la sinfonía clásica. Tiene una forma única, desarrollando sus materiales en una estructura exitosa dentro del ideal clásico. El trabajo tiene tres movimientos-allegro Spiritoso, Andantino Grazioso y Allegro. Aunque la apertura de Allegro Spirituoso utiliza las técnicas del estilo clásico, no es un diseño típico para un diseño fue visto como un resultado único de la aplicación de las técnicas a materiales particulares (Eisen, 89-100)
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El plan tonal era una de tres sección que presentaba estabilidad en más de un nivel tonal, continuó con una sección inestable (moduladora) contrastante y culminó en una recapitulación de más o la primera de la primera sección, ahora tonalmente leal leal a la clave del movimiento. Estas tres secciones: Declaración, desarrollo y recapitulación-porque básicas a un movimiento Allegro de apertura. Podría ser precedido por una introducción, o seguido de una coda, o ambos. Sobre estas secciones se superponen sobre una docena de sujetos y figuras características, que dan un tejido rico y vivo al conjunto. El contraste del sujeto era básico para el estilo clásico. El ideal de contraste directo se ilustra muchas veces en la sinfonía de Mozart B Major. Los contrastes proporcionaron variedad y motivación y se llenaron en el marco estructural con materiales y sujetos estables e inestables para apoyar un esquema general de arqueo (Eisen, 89-100)
El segundo movimiento de la sinfonía utiliza la forma rondeau francesa acomodado a los ideales del equilibrio tonal. El plan tonal se basa en E Mayor. El Tondeau propio puede llamarse tema, en un concepto innovador cuyo origen fue parte del logro clásico. El Allegro final es un movimiento enérgico, en la misma forma que el Rondeau, pero todo el episodio-Rondeau-Episode-Rondeau-Coea, así como la declaración de apertura del Rondeau se repite. Esta sinfonía contiene el idioma clásico del aire, el elemento aclarante e esclarecedor invocado por los estilos generalmente separados. En general, esta sinfonía presenta tres movimientos muy diferentes en un equilibrio de tipo de sujeto, técnicas de forma y un plan de escucha y lógica tonal general. El intenso movimiento de apertura es seguido naturalmente por un movimiento menos exigente, relajado, aunque moderno, y es seguido naturalmente por un movimiento de vigor y espíritus simples, el menos intelectual y el más kinestésico (Eisen 89-100; Germiniani 30-45).
Al comienzo del período clásico, era el momento adecuado para una generación definitiva y los músicos talentosos como Mozart estaban listos. Ahora era posible aprender a componer música solo, a través de una combinación de ojo y oído, estudio de libros y experiencia musical directa. Para el público, la ópera ingresó a una fase nueva y controvertida, pero para los compositores, el cuarteto de cuerdas y la sinfonía fueron las formas a la vanguardia de la música. La sinfonía realizó gran parte de la experimentación que definió las técnicas de repetición en una forma en cuestión básicamente con los elementos musicales abstractos del tiempo y el espacio (Eisen, 89-100)
Mozart fue prominente para refinar estas técnicas y Ponerlos en estructuras viables que resultarían indispensables para los compositores y complacientes para los oyentes durante muchas generaciones después. Ya existe una abundancia de fuentes en el período clásico y Mozart. Por lo tanto, es difícil decir qué estudios adicionales deben realizarse para recopilar más información. Sin embargo, se podría explorar una investigación adicional sobre el concepto de “corazón y cabeza” de este período para aprender (1) cómo los compositores utilizaron sus talentos y técnicas musicales del período para tocar las emociones de sus oyentes, (2) cuáles eran las composiciones. El más representativo de este concepto de “corazón y cabeza”, y (3) qué elementos comunes de las composiciones ilustran el concepto de “corazón y cabeza.
obras citadas
eisen, acantilado. Orquestas de Salzburgo de Mozart. Early Music 20, 1992.
Germiniani, Francesco (David Boyden, ed.) El arte de tocar en el violín. Nueva Jersey: Oxford University Press, 1952.
Pauly, Reinhard. Música en el período clásico. Nueva Jersey: Prentice-Hall, 1965.
