“¡Despierta!”
termina el esfuerzo de segundo año del director Spike Lee, la escuela aturdida y comienza su tercero, haz lo correcto, posiblemente un clásico moderno en la obra del cineasta. Anticipando los levantamientos de Brooklyn Crown Heights y Los Ángeles en el lapso de dos años desde su lanzamiento de 1989, hacer lo correcto es el equivalente a un cóctel Molotov cinemato , Reagan-Bush Era.
Mientras que la película, que examina las tensiones raciales que se sumergen desde hace mucho tiempo en un vecindario de Brooklyn de estrecho que se convierte en la violencia y la tragedia, fue criticada rotundamente por su violencia por gran parte de los Estados Unidos. Los principales medios de comunicación (y muchos en la prensa europea también), hacen lo correcto, ahora se considera una de las mejores películas que salen de la década de 1980. Sus temas sobre la violencia, la intolerancia racial y la brutalidad policial todavía inspiran discusiones acaloradas. Lo que hizo que esta película fuera tan incendiaria, y continúa haciéndola incendiaria, no solo son sus temas de intolerancia racial y las formas en que nuestra sociedad, particularmente aquellos que están oprimidos y marginados, elige lidiar con ella, sino también por las técnicas de las técnicas. Los cineastas usados, es decir, cinematografía y música, para llevar ese mensaje a casa.
Como película, hacer lo correcto es un estudio sobre cómo la cinematografía puede agregar efectivamente credibilidad al desarrollo de la trama y los personajes. Los detalles sensuales de la película, como el calor caliente, pegajoso y sofocante de un día de verano, son visualmente impresionantes. Dado que el clima juega un papel importante en la película de principio a fin, es el calor opresivo de verano que avanza los conflictos raciales a la superficie, lo que lleva la película a su clímax trágico y violento, el uso de luz y color del director poder.
Desde su primer cuadro, la secuencia de crédito energética en la que la actriz Rosie Pérez baila vibrantemente al himno propulsivo del enemigo público “lucha contra el poder”, contra un telón de fondo de la pantalla trasera que está encendida en azules vívidos y Rojos: – derecho a su toma final, la película es una explosión de colores brillantes y cálidos. Bañado en vibrantes tonos rojos, naranjas y amarillos, la película brilla a una luz casi ardiente. En las primeras escenas, la luz amarilla se vierte a través de ventanas de apartamentos cerrados, casi oscureciendo o derritiendo a los actores y el paisaje a su alrededor. En escenas posteriores, particularmente en las secuencias nocturnas, se usa un efecto de claroscuro, con luz azul y púrpura que rodea las áreas externas de la pantalla, y los amarillos y rojos brillantes encendidos en las caras y los cuerpos del actor.
este efecto es sorprendente visualmente, particularmente en color. Cuando Mookie enfría a su novia Tina, interpretada por Pérez, con cubitos de hielo, las pieles de los actores prácticamente brillan y ardían, como si estuvieran ardiendo con furias y deseos sin control (la iluminación de claroscuro generalmente se asocia con las películas estilizadas de las décadas de 1940 y 1950s. conocidos como cine negro, cuyos temas de ambigüedad moral en los mundos oscuros y sombríos que retrataron fueron una desviación destacada de la tarifa habitual de Hollywood en ese momento. Si lo correcto podría considerarse cine negro fuera del hecho de que se trata de un “negro “Película, ciertamente podría estar en el acto de Mookie de lanzar un bote de basura en la ventana de la pizzería de Sal después de que su amigo Radio Raheem haya sido asesinado por policías, un acto ambiguo como cualquier retratado en el cine moderno).
Aunque la iluminación de las secuencias al aire libre es apagada y natural, los cineastas les recuerdan al espectador el clima tórrido con tomas de personajes que se rompen con agua, como los jóvenes que juegan con la bomba jonny de una hidrantes de fuego o un cierre extremo. Ups de los rostros de los actores que gotean con cuentas de sudor. Muchos de los detalles escénicos, como la pared en frente de la cual se sientan los hombres de la esquina, están pintados de rojo de motor de fuego, irradiando un calor y calor que salta de la pantalla (de hecho, algunos de los diseños de conjuntos recuerdan el tercer mundo. viviendas, fusionando este vecindario de Brooklyn a un pasado y presente inmigrante). La implacable acentuación del calor a lo largo de la película da credibilidad. Cuando los titulares de los tabloides de Nueva York gritan “Calientes, calientes”, en la pantalla, ¡lo creemos!
Al principio de la preproducción de la película, Spike Lee sabía que el énfasis del calor era importante para la credibilidad de la película . Él y el director de fotografía, Ernest Dickerson, un colaborador de Lee’s, desde hace mucho tiempo, trabajaron para obtener el efecto correcto para la película, asegurándose de que la audiencia fuera consciente del calor en cada toma. “Recuerdo haber visto a Lawrence de Arabia cuando era niño”, dijo Dickerson. “Debo haber visitado el puesto de Coca Cola tres veces antes de que terminara la película. Quería ese efecto para hacer lo correcto”.
Dickerson usó ángulos de cámara, como ángulos oblicuos y primeros planos extremos , también reproducir las tensiones sacadas por el calor en la película. Un ejemplo en el que los ángulos de la cámara aumentan esas tensiones es la confrontación entre Buggin ‘Out (Giancarlo Esposito) y Clifton (John Savage), el ciclista blanco que avanza y arruina el nuevo par de Air Jordans de Buggin’ Out. Al comienzo de la escena, cuando Buggin ‘Out and the Neighborhood Young Folk se enfrentan a Clifton en su piedra angular, Dickerson dispara desde abajo cuando el POV se centra en salir. Cuando corta bruscamente a Savage, dispara al actor en un primer plano extremo, enfocándose en su cara sudorosa y nerviosa. Dickerson sostiene estos ángulos durante la mayor parte de la escena hasta el final, cuando Clifton entra en su piedra rojiza.
Esta vez, los ángulos oblicuos se rodan en ambos POV, excepto que ahora han cambiado: Buggin ‘Out y la joven multitud se disparan desde arriba, mientras que Clifton se dispara desde abajo. La inversión en las tomas debe tenerse en cuenta porque es significativa para los temas subyacentes de la película. Al invertir los ángulos en ambos POV, Lee está comentando sobre la desigualdad entre estos dos conjuntos de personas. Al disparar a Buggin ‘desde debajo del ángulo y el actor John Savage en el primer plano al principio, los jóvenes son vistos como el control de la situación, su ira podría recurrir a la violencia de la mafia, la secuencia termina con un Debajo de Angle disparó a Savage cuando entra en su piedra rojiza, como si estuviera “arriba” o superior a los jóvenes negros. Un poder que se ejerce con consecuencias trágicas por el final de la película. Otra escena que es un estudio del uso de ángulos de cámara para aumentar la tensión y el caos es la confrontación en Sal’s Pizzeria iniciada por Buggin ‘Out, Radio Raheem (Bill Nunn) y Smiley (Roger Genveur Smith). Queriendo crear un “aura de inquietud” a lo largo de la película, Lee fue firme sobre el uso de “ángulos chinos” o ángulos oblicuos “… como los que se usaron tan efectivamente en el tercer hombre.2 Él y Dickerson también recurrieron a las películas tales como en el calor de la noche, el calor corporal y el apocalipsis ahora para su instrucción.
Estas películas también tratan con el calor, las tensiones que disminuyen largas (sexuales en el caso del calor corporal) traído a la superficie por Es, y los efectos desorientadores y alucinógenos de la violencia (apocalipsis ahora). En realidad, hacer lo correcto es un homenaje a las películas más allá de la escuela de Lee aturdida a Night of the Hunter, cuya secuencia de amor/odio Lee recrea con Radio Raheem.
Desde su primera película, ella tiene que tenerla, Spike Lee usó música de la misma manera que un pintor usa los colores en su paleta. La música no solo pinta sonidos en sus películas, sino que también colorean los estados de ánimo y las emociones. Lee. La apreciación de la música debe mucho al hecho de que su padre, Bill Lee, es un músico de jazz (Lee anotó muchas de las películas de su hijo, incluidas Malcolm X, Jungle Fever y Mo ‘Better Blues).
Sin embargo, en hacer lo correcto, la canción que inmediatamente me viene a la mente es la malvada “Fight the Power” de Public Enemy. Con su ritmo de conducción, propulsivo y sus poderosas letras derribando a los héroes culturales favoritos de Estados Unidos (Elvis Presley, John Wayne) , así poniendo un sello afrocéntrico en el cerebro cultural estadounidense, la canción anticipó la tormenta de fuego que saludaría a la película en su lanzamiento. Public Enemy, un grupo de rap político, había estado generando controversias con sus letras de rap desafiantes y pro-negras mucho antes de que Spike Lee les encargara que grabara una canción específicamente para la película. Tanto Lee como Public Enemy fueron inquebrantables en sus puntos de vista y comentarios, particularmente en la principal prensa “White”, por lo que la participación del grupo en el proyecto fue apta.
La canción en sí se reproduce solo cuando el personaje Radio Raheem Aparece (con una excepción durante la secuencia de crédito, lo que sugiere que la canción es menos un tema para Radio Raheem pero para la película en sí). La canción es una declaración de firma para el orgullo masculino negro, la independencia y la fuerza intransigente. Es ruidoso, “en tu cara”, valiente y exigente de respeto de la misma manera que Radio Raheem es visto no solo por él sino por otros en el vecindario y, por lo demás, hacer lo correcto. El resto de la partitura de la película fue compuesta por Bill Lee.
Mientras que “Fight the Power” está conduciendo y rebelde, la partitura de Lee, una amalgama de jazz y música clásica inspirada, es melódico y complejo, enfatizando el latón y cuerdas para sacar las emociones conflictivas de los personajes. Su música subraya bellamente el centro emocional de la película, particularmente en una escena en la que Sal (Danny Aiello) intenta entender por qué su hijo Pino (John Turturro) está tan enojado. Sobre la base de oleadas de saxofón, bajo y batería, la música choca con las diferentes emociones de padre e hijo hasta que explota con furia percusiva, que combina con el tono de ira de Pino para el lanzamiento. En su ensayo sobre la película, el crítico David Sterritt sugirió que la partitura de la película recuerda a las composiciones de Aaron Copland, anticipando el uso de Lee de la música del compositor en su película posterior que obtuvo el juego.
considerando que Copland se cree Para ser el más estadounidense de los compositores estadounidenses, tal vez hacer eco de este estilo musical fue la declaración de Lee sobre el racismo igual de igualmente estadounidense. O bien, también podría estar afirmando que la combinación de jazz y música clásica (un estilo de Copland característico), o ritmos percusivos africanos y estilos modales europeos es paralelo a la mezcla de la cultura popular negra en la sociedad estadounidense convencional (Lee alude a esta fusión de negros y negros y Culturas blancas en la discusión “negra o negra” entre Mookie y Pino). Sin embargo, uno analiza sus elecciones técnicas, en todos los sentidos, ya sea mediante el uso del color, los ángulos de la cámara o la música, Spike Lee usó todas las técnicas disponibles para conducir constantemente la trama a su impactante e inevitable conclusión.
do Lo correcto plantea una pregunta que parece simple desde el principio: ¿cuál es la forma correcta para que la sociedad aborde el racismo en Estados Unidos? Sin embargo, tal pregunta solo puede exigir una respuesta que sea todo menos simple. ¿Debería hacerse a través del diálogo y la comprensión? Confrontación o dirección positiva de energía? ¿Violencia o defensa propia? Dado que el tema del racismo sigue siendo un tema candente en Estados Unidos, estas preguntas por sí solas pueden desencadenar reacciones explosivas. De hecho, la película provocó conversaciones acaloradas sobre su mensaje cuando se lanzó.
en hacer lo correcto, Spike Lee establece sin miedo estas preguntas a través de sus personajes y sus motivos. Una de las críticas presentadas en la película fue que los personajes fueron recortes de cartón unidimensionales para las polémicas raciales de Lee. Si bien es cierto, como señaló Steritt, que Lee pinta un “golpe amplio” al crear estos personajes, sus críticos perdieron el punto de que estos personajes estaban destinados a ser arquetipos de cómo la sociedad trata con el racismo en Estados Unidos. Por ejemplo, el hijo menor de Sal, Vito, en su negativa a enfrentar el abuso de su hermano mayor Pino, representa cómo algunos estadounidenses blancos aceptan el racismo que ven a su alrededor, pero saben que está mal. La negación de Sal de su propio racismo y su paternalismo benigno hacia los negros en la comunidad representa la negativa de los Estados Unidos blancos a ver o admitir el racismo que todavía existe no solo en la América contemporánea sino en sí misma. Todos los jóvenes de negro socialmente consciente que, sin embargo, se dirige mal en su activismo, mientras que los jóvenes en el bloque son los jóvenes negros apáticos en la América urbana que están más interesadas en pasar el rato que involucrarse. Radio Raheem proporciona otra imagen de los hombres negros, la de la postura de la “Facta”, autodefensiva, que se presenta con el repleto que enmascara las capas de vulnerabilidad (la secuencia de amor/odio ofrece una visión rara pero breve del alma de este personaje). El alcalde, interpretado por el fallecido actor de veteranos y la pantalla, Ossie Davis, representa cómo las personas negras, pero los hombres en particular, se medican contra la dureza del racismo y la pobreza a través del alcohol o las drogas.
y los tres Corner Men, el “coro griego” de la película, son esos muchos estadounidenses blancos y negros, más específicamente en la audiencia de los teatros de cine oscuros en todo el país, que comentan sobre el mundo que los rodea, pero son incapaces o incapaces de tener el poder de efectuar o cambiarlos (impotencia política). Por lo tanto, en escenas como la discusión “negra o negra” entre Pino y Mookie, Pino y Sal se hablan sobre la ira de Pino; El boicot de Buggin ‘Out y sus diferencias de opinión con Jade (Joie Lee, la hermana del director), y el montaje explosivo de los epítetos raciales gritados por los personajes de la película, se vuelven aún más potentes y reales para los símbolos arquetípicos que representan. P>
Dos temas que generalmente no se analizan en la película es cómo Lee parece estar comentando sobre la responsabilidad personal o la falta de ella en la comunidad negra y las exploraciones de la identidad masculina. Si bien la mayoría de los personajes (Pino, Vito, Da Mayor, Buggin ‘Out) se enfrentan a su falta de responsabilidad o su energía y ira mal dirigida, la película se centra bruscamente en la irresponsabilidad personal de Mookie. Mookie, que es un repartidor de la famosa pizzería de Sal, está desmotivada, perezosa y no un padre responsable de su hijo con Tina.
Sal, su hermana Jade (cuyo sofá duerme), Tina,, Tina, Y la madre de Tina se queja con él sobre esto, pero sus quejas caen en oídos sordos. Mookie está motivado solo por su deseo de recibir un pago. A lo largo de la película, está constantemente golpeando a Sal para su “pago”, e incluso regresa a la pizzería después de que se haya quemado al suelo para obtener su salario semanal. Después de que Sal arroja enojados los billetes de cien dólares en Mookie, Mookie inicialmente toma los doscientos cincuenta que se le debe, pero al final de la escena recoge el resto de la acera.
Él también es política y socialmente social y socialmente desmotivado. En una escena, después de amenazar a un boicot contra la pizzería de Sal por negarse a poner fotos de personas negras en su muro de fama, Buggin ‘Out exhorta a Mookie a “quedarse negro”, una llamada Mookie trata con despegues. Es interesante, entonces, que Mookie es el que arroja el bote de basura en la pizzería. ¿Lee sugiere que la respuesta de Mookie de la autodefensa contra la brutalidad policial fue un acto responsable, redimiendo así al personaje (hizo lo correcto)?
Si es así, ¿por qué terminar la película con Mookie regresando por su ¿Dinero, un rasgo de personaje que Lee obviamente es criticando? Aunque estas preguntas no son respondidas abiertamente, Lee termina su película con las dos citas famosas del Dr. Martin Luther King, Jr. y Malcolm X, cada uno defiendo la no violencia y el derecho a la autodefensa respectivamente, enredando aún más el mensaje de la película. Al negarse a entregar bromuros simples para consolar a su audiencia, Spike Lee deja la mejor responsabilidad de encontrar las respuestas (¿qué es lo correcto?) Para el espectador.
Esta es una de las razones por las que hacer lo correcto. La cosa sigue siendo una película tan poderosa. Las preguntas que plantean, aunque aún potentes, también nos eluden, especialmente a raíz de los disturbios de Rodney King, y otros actos de brutalidad policial y disturbios raciales en Estados Unidos (la película en sí está dedicada a la brutalidad policial de la brutalidad policial como los parachoques Eleanor y Michael Stewart).
A través de gran parte de su carrera cinematográfica, Spike Lee fue criticado por su falta de personajes femeninos negros fuertes. Esta es una crítica que Lee tomó en serio y, en lo correcto, un Journal of Production Notes tomado antes y durante el rodaje de la película, escribe sobre la necesidad de construir los personajes femeninos de la película. Si bien Lee podría haber visto la necesidad de crear personajes femeninos más fuertes, hacer lo correcto es principalmente una película sobre los hombres y su necesidad de expresar y abrazar su identidad masculina, especialmente cuando otros hombres amenazan. Lee, al escribir sobre la confrontación entre Clifton y Buggin ‘Out, dijo: “Para mí, esta escena se trata realmente de cómo los hombres, en blanco y negro, dan la prueba de la virilidad”.
Uno puede decir que todo Los personajes masculinos de Do the Right Thing están probando constantemente su virilidad, ya sea Radio Raheem, cuyo boombox, con su tamaño y volumen, es un poderoso símbolo fálico (mira la escena donde lucha con Stevie y sus amigos que tienen quién ha La “caja” más ruidosa), o Vito, cuyo hermano Pino lo abusa constantemente, trata de endurecerlo y golpear algo (sentido racista) en él. Mientras tanto, Mookie aconseja a Vito que se defienda a sí mismo y a “patear el culo de [Pino]”. Es interesante que después de que Mookie ofrece este consejo a Vito, él y Buggin ‘Out se involucran en una juguetona llamada y respuesta. “Tu el hombre.” “No, tú el hombre”. Es como si estos personajes tuvieran que recordarse constantemente su virilidad en un entorno que a menudo los emascula.
Las mujeres en la vida de Mookie, Jade y Tina, también le recuerdan a ser un hombre, pero por completo diferentes razones. Simplemente quieren que Mookie sea más responsable en su vida. Después de advertir a su hermana sobre Sal (en una escena anterior, la película menciona pero no resuelve la atracción sexual de Sal por la hermana de Mookie), Jade le dice que se mude del apartamento que comparten, crecen y sean un hombre. Tina le dice lo mismo en la escena que sigue al motín. “Soy un hombre”, dice simplemente. “Actúa como uno entonces. Sé un hombre”, responde Tina enojado. La simple declaración de Mookie, “Soy un hombre”, me recuerda los signos que fueron llevados por los sorprendentes trabajadores de saneamiento en Memphis el día antes del asesinato del Dr. Martin Luther King, Jr. en 1968.
Estaría estirando el punto de sugerir que Lee quería específicamente recordar ese momento trágico en la historia de Estados Unidos, es interesante observar que el personaje que inició el disturbio por el clímax de la película establecería de manera simple y evocatoria lo que él, como los trabajadores de saneamiento y los trabajadores de saneamiento, y los trabajadores de saneamiento. Todos los hombres negros en Estados Unidos, quieren: respeto por su virilidad. Pero como Lee también parece estar comentando, ese respeto viene con las expectativas. Hacer lo correcto, no es solo una exhortación sobre lo que la sociedad debe hacer en respuesta a sus problemas raciales, sino que también es una demanda que se coloca a sus ciudadanos, en blanco y negro, hombres y mujeres, para ser más responsables en sus acciones personales.
Después de su estreno en el Festival de Cine de Cannes en 1989, y su lanzamiento en los Estados Unidos, hizo lo correcto se convirtió en un pararrayos para las críticas. Tanto los críticos como los expertos lo condenaron por su mensaje socialmente irresponsable (el director Wim Wenders, un juez en el panel para el premio Palm d’Or Jury del festival, dijo que el acto final de Mookie en la película fue “inheroico”, lo que provocó que Lee notara irónicamente que el El cine que vence hace lo correcto para la Palm d’Or, el sexo, las mentiras y la cinta de video, el primer esfuerzo del cine de Steven Soderbergh, tuvo un personaje “heroico” que se grabó a sí mismo y a otros que se masturban en el video). Los críticos también temían que la película incitaría disturbios en los cines, un miedo que era infundado.
Otros señalaron que la película no era realista en su representación de vecindarios negros pobres y que los personajes eran unidimensionales. Lee regresó a los detractores de la película, diciendo que estaban más preocupados por la pizzería quemada que por la muerte de Radio Raheem. Cualquier crítica que recibió la película (tuvo sus partidarios, como en el crítico de cine Roger Ebert, quien asistió a su estreno en la exhibición en Cannes y elogió sus alabanzas desde entonces), de ninguna manera resta valor a la fuerza de la película. Trece años después de su lanzamiento, hacer lo correcto todavía tiene un poderoso golpe.
Si lo correcto sigue siendo una película tan importante, es solo por sus vistas intransigentes de la América contemporánea. A diferencia de las películas anteriores de Hollywood sobre la raza que existen simplemente para calmar la culpa blanca y/o liberal, hacer lo correcto se niega a acariciar el ego de cualquiera. Y aunque ciertos aspectos de la película están atrapados en su tiempo y lugar específicos (sus referencias a Tawanna Brawley y Ed Koch son una era tan pasada como el Hightop se desvanece y los pantalones cortos de motociclistas lucidos por sus personajes), su mensaje de violencia racial y La brutalidad policial sigue siendo demasiado relevante.
Agregue los nombres de Amadou Diallo y Rodney King, y la jerga actual como “perfil racial” en la película y no se alteraría una sola escena, ni su mensaje profundo se diluyó . Hacer lo correcto, simplemente, es un clásico en el cine moderno. Su mensaje político y social continuará recordándonos qué hay en la tienda para Estados Unidos cuando no hace lo correcto.
