El término música absoluta causa mucho debate y confusión en los círculos musicales, al menos en parte porque la palabra absoluta, que sugiere rigidez o desapego de referencias externas, parece estar fuera de lugar en una El arte cuya efectividad depende en gran medida de las interpretaciones individuales, no solo las de los artistas de los artistas sino también de los de los oyentes.
La música absoluta generalmente se discute en contraste con la música del programa.
Música absoluta </b >
Música absoluta (o música abstracta ) es una música libre de implicaciones extramusicas abiertas. Su comprensión depende únicamente de sus estructuras musicales, no de ninguna narrativa, pictórica u otras ideas no musicales.
La música absoluta típicamente no se identifica por un título descriptivo sino por el nombre de una forma musical, como Symphony , Sonata, cuarteto, concierto, invención, toccata o fuga. El término generalmente excluye la música vocal porque el texto en sí proporciona, en diversos grados, un programa.
Sin embargo, incluso en la música absoluta, la interacción de la consonancia y la disonancia, los lanzamientos crecientes y caídos, timbres brillantes y oscuros, Y así sucesivamente, puede evocar todo tipo de imágenes pictóricas y respuestas emocionales dentro de los compositores, artistas y oyentes individuales, a pesar de que tales asociaciones no se declaran en la música misma. Para cada persona, esas asociaciones probablemente serán diferentes, posiblemente incluso radicalmente diferentes.
absoluto, entonces, es un término “relativo”. No se refiere a la ausencia de imágenes y emociones, sino a la ausencia de imágenes y emociones.
Música del programa
Programa La música es música abiertamente inspirada en una idea no musical, que generalmente se indica en el título y, a veces, por comentarios introductorios o incluso ejecutando comentarios en la partitura. Debido a que la música vocal con un texto (no solo las vocalizaciones) tiene un programa incorporado, los músicos y los comentaristas han utilizado durante mucho tiempo el término música de programa principalmente con referencia específica a la música instrumental, no la música vocal. </P. >
La música del programa ha existido durante cientos de años. Un ejemplo temprano bien conocido es el The Four Seasons de Antonio Vivaldi, los primeros cuatro conciertos de su Opus 8 (1725). Los conciertos se basan en sonetos descriptivos, uno para primavera, verano, otoño e invierno.
La música del programa alcanzó su mayor prominencia durante la era romántica del siglo XIX. La estética del tiempo considerada música instrumental como el modo de expresión supremamente romántico porque, a diferencia de las otras artes, era libre de explorar toda la gama de emociones sin gravación de palabras o objetos materiales.
Por lo tanto, los compositores de ese período, la música del programa especialmente cultivada: la música instrumental asociada con el tema poético, descriptivo o narrativo.
a menudo el “programa” era simplemente un sentimiento general, como en la mayoría de las piezas de personaje de la época para el piano, tales como los de los ciclos de Robert Schumann Carnaval (Carnival, 1835) y Kinderscenen (escenas de la infancia, 1838), incluida la famosa “träumerei” (sueños). < /P>
Un ejemplo similar en el reino orquestal fue la sinfonía pastoral (sexta) de Ludwig Van Beethoven (sexta) (1808). El compositor inscribió cada uno de los cinco movimientos con un título descriptivo, como “despertar de sentimientos alegres a la llegada al país” para el primer movimiento. Pero Beethoven advirtió en la partitura en sí mismo que las descripciones eran simplemente “expresiones de sentimientos en lugar de representación”.
La representación musical en toda regla comenzó en serio con la symphonie fantastique programática de Héctor Berlioz ( Fantástica sinfonía, 1830, revisada 1831). El compositor subtituló el trabajo “Episodio en la vida de un artista” y proporcionó a los cinco movimientos un programa autobiográfico detallado. Toda la sinfonía está unida por un tema recurrente que Berlioz llamó id. © e fixe (idea fija), que, según el programa, representa la imagen obsesiva del amado del héroe.
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< P> Berlioz siguió con otra sinfonía del programa, Harold en Italie (Harold en Italia, 1834). Inspiró a Franz Liszt a componer obras similares, en particular el Faust Symphony (1854), con un final vocal agregado más tarde (1857).
liszt también creó una versión de un movimiento de El programa Symphony y en 1854 lo llamaron Symphonische Dichtung (“Poema sinfónico”, también conocido como un “poema de tono”). Tal trabajo es una forma continua con secciones en carácter y tempo contrastantes, y con varios temas desarrollados y transformados para crear una analogía musical con un poema de palabras.
La inspiración para un poema sinfónico podría ser una obra literaria , una imagen, una escena natural, una personalidad o cualquier otra cosa. Por ejemplo, el Les pré de Liszt (1854) se basó en un poema de Alfonse-Marie de Lamartine, mientras que su muere hunnenschlacht (La batalla de los hunos, 1857) se inspiró en una pintura mural.
El compositor más exitoso de poemas sinfónicos después de Liszt fue Richard Strauss, como en su Don Juan (1889), TOD und Verklä Rung (Death and Transfiguration, 1889), hasta Eulenspiegels Lustige Streiche (hasta que Eulenspiegel’s Merry Brorks, 1895), también Spraach Zarathustra (así habló Zarathustra, 1896) , don quijote (1897), y ein Heldenleben (A Hero’s Life, 1898).
a fines del siglo XIX y principios del siglo XX, otras contribuciones to the genre, showing various degrees of extramusical depiction and bridging the stylistic change from Romanticism to Impressionism, include Paul Dukas’s L’Apprenti sorcier (The Sorcerer’s Apprentice, 1897), Jean Sibelius’s Finlandia</ i> (1899), Claude Debussy’s la mer (The Sea, 1905), los fuegos artificiales de Igor Stravinsky (1908) y el Pini Roma </i de Otorino respighi </i > (Pines of Roma, 1924).
Durante ese mismo período, las piezas de personaje de piano también continuaron siendo compuestas, como la jeux d’auu de Maurice Ravel (el juego de agua , 1901) y las piezas tituladas descriptivamente de Debussy en sus dos libros de Preludes (1910, 1913).
Una de las primeras piezas de la música de programa modernista fue el poema sinfónico de Arthur Honegger Pacific 231 </i > (1923), llamado así por un tipo americano de locomotora. La música no imita los sonidos de una locomotora, pero sugiere musicalmente la impresión física de su inicio, aumentando a toda velocidad y deteniéndose.
Aunque no se utiliza ampliamente después de principios del siglo XX, la música del programa continuó Juega un papel en la música moderna. Los ejemplos incluyen la antártica sinfonia de Ralph Vaughan Williams (1952), cada movimiento de los cuales tiene algunas palabras programáticas del compositor; Las meditaciones de Olivier Messiaen sobre el misterio de la Santísima Trinidad para Organ (1969), que retrata un diálogo que involucra al Padre, al Hijo y al Espíritu Santo; y la Amazon (1982) de Joan Tower, que da impresiones orquestales del enorme río Southamerican.
hoy, a pesar de que los comentaristas modernos tienden a evitar el uso del término Program Music para obras contemporáneas (debido a su fuerte asociación con el romanticismo del siglo XIX), cualquier música instrumental con un título descriptivo y/o propósito extramusical aún puede llamarse Música del Programa.
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Enciclopaedia Britannica Referencia Ready 2004 (CD-ROM).
Grout, Donald Jay y Claude V. Palisca. Una historia de la música occidental . 5ª ed. Nueva York: W.W. Norton, 1996.
El nuevo diccionario de música y músicos de Grove . 2ª ed. Londres: Macmillan, 2001.
