Marlon Brando es ampliamente reconocido como el mejor actor de cine de todos los tiempos, sin embargo, en Estados Unidos, todavía hay una sensación de decepción en su carrera, la sensación de que no extrajo más de su talento fenomenal y, por lo tanto, había engañado. su audiencia. (En sus sentimientos de inferioridad cultural, vis-vis Europa, los estadounidenses también estaban decepcionados de que Brando no desafiara, y mejor, el reclamante de Gran Bretaña al título de peso pesado de actuación, Sir Laurence, luego Lord Olivier). Como dijo Gore Vidal de Orson de Los críticos de Welles, los estadounidenses tienen la idea errónea de que si un genio no continúa presentando el trabajo del calibre que hizo su reputación, ya no son un genio. Los estadounidenses están tan centrados en el punto de vista “What Haves You Down For Me”, les hace considerar los éxitos brillantes de un artista del pasado como evidencia de fracaso en el aquí y ahora. Es el síndrome encapsulado por el dictamen de F. Scott Fitzgerald, “no hay segundos actos en la vida estadounidense”. Sin embargo, Brando tuvo un segundo acto, luego decidió alejarse de todo. Eso no es algo con lo que la psique estadounidense pueda lidiar fácilmente.
Las actuaciones del joven Brando como actor de etapas en la cafetería de MAXWELL Anderson, Camionline Café y de Tennessee Williams , un tranvía llamado Desire son la leyenda. Al igual que su contemporáneo Richard Burton, sorprendió al público con una presencia en el escenario sobrenatural que dominaba por completo el resto del elenco, el público y la obra en sí. Brando fue el primer gran actor puro desde John Barrymore en alcanzar el estatus de superestrella, y después de hacer sus huesos en Hollywood a principios de los años 50, nunca regresó al escenario, excepto por un breve período en stock de verano con amigos. A medida que su estrella se atenuaba con una serie de fallas de taquilla en la década de 1960, Brando fue criticado por no volver al escenario y recargar sus baterías, pero era una analogía falsa, aunque las películas en sí mismas podrían ser débiles, Brando estaba haciendo algunas de las La mejor actuación de su carrera en lo que estaba demostrando ser flop después del fracaso en la taquilla. ¿Hay algo de que el Brando inteligente y sensible, cuando se le da una segunda oportunidad al énfole con los éxitos gemelos de The Godfather y Last Tango en París en 1972 y ’73, ¿Le dio la espalda? Lo hizo, en el tiempo, honró la moda estadounidense, “Take the Money and Run”, pero una segunda ronda de súper protector del cine no lo engañó. Muchos críticos y fanáticos nunca lo perdonaron, al igual que muchos antes, no lo habían perdonado por no convertirse en el “Olivier americano”.
ningún actor ejerció una influencia tan profunda en las generaciones sucesivas de actores al igual que Marlon Brando . Más de 50 años después de quemar la pantalla por primera vez como Stanley Kowalski en la versión cinematográfica de un tranvía llamado Desire (1951) y un cuarto de siglo después de su última gran actuación como Coronel Kurtz en Francis Ford Coppola’s Apocalypse Now (1979), todos los actores estadounidenses todavía están siendo medidos por el criterio que era Brando. Era si la sombra de John Barrymore, el gran actor estadounidense más cercano a Brando en términos de talento y estrellato, había dominado el campo de actuación hasta la década de 1970. No lo hizo, ni ningún otro actor dominó la conciencia del público sobre lo que era un actor antes o desde que la representación en pantalla de Brando de Stanley lo convirtió en un ícono cultural. Brando hizo obsoleto a Barrymore, al igual que se hizo obsoleto el juego de Hamlet como un requisito previo para la destreza de actuación. Brando eclipsó la reputación de otros grandes actores alrededor de 1950, como Paul Muni y Frederic March. (Solo el brillo de la reputación de Spencer Tracy no se ha atenuado cuando se ve en la luz de las estrellas que Brando). Brando lo hizo.
El “Padrino” de la actuación estadounidense nació Marlon Brando Jr. el 3 de abril de 1924 en Omaha, Nebraska y apodó “Bud” por su familia. Su padre, Marlon Brando, Sr., era un vendedor de carbonato de calcio, y su madre, la ex Dorothy Pennebaker, estaba artísticamente inclinada y disfrutaba de la actuación. Bud Brando era el más joven de tres hijos y el único niño. Su hermana mayor Jocelyn Brando también actuó, tomando después de su madre, que se dedicó a los teatrales de aficionados y fue asesorada a un entonces desconocido Henry Fonda, otro nativo de Nebraska, en su papel de director de la comunidad de Omaha Community Playhouse. Frannie, otro hermano de Brando, era un artista visual. Cuando la familia se mudó a Libertyville, Illinois, Marlon se conoció y se hizo amigo de un joven Wally Cox, que se convirtió en su amigo de toda la vida y un hermano sustituto. a su manera “, escribió Lev Nikolayevich Tolstoy en Anna Karenina . La familia Brando era infeliz, desestabilizada por el alcoholismo de ambos padres. (“Vengo de una larga línea de borrachos irlandeses”, Brando le diría a la corte durante el juicio por asesinato de su hijo Christian). Dottie Brando culpó a su esposo, Marlon, Sr., por el obstáculo de sus aspiraciones de actuación. Jocelyn, ambas hermanas de Brando, para abandonar el Medio Oeste por la ciudad de Nueva York, Jocelyn para estudiar la actuación y Frannie para estudiar arte. Se les unió durante largos períodos de tiempo, que traería al perro de la familia, una perra de gran danés negra Yclept “holandés” a quien Bud inmortalizaría en un riff de dormitorio en el último tango en París treinta Años más tarde.
Young Bud sufrió de dislexia, y finalmente fue exiliado al alma mater de su padre, la Academia Militar de Shattuck, donde fue probado y se descubrió que tenía un I.Q ligeramente por debajo del promedio de 91. (Richard Burton , un conocido a través de la amistad de Brando con su esposa Elizabeth Taylor, escribió en sus diarios que Brando era, de hecho, muy inteligente, pero trató de enmascararlo). Bud logró escapar de la calma vocacional pronosticada por su padre frío y lejano. y sus maestros de escuela de desaprobación al ser expulsados de Shattuck en su último año por ser un problema de disciplina incorregible. Trató de unirse al ejército, pero una lesión en la rodilla sufrió mientras jugaba al fútbol en Shattuck lo eximió de servir en la Segunda Guerra Mundial. Sin ningún otro lugar, nada más que hacer, se ponchó a la Gran Manzana en 1943, decidido a seguir a Jocelyn en la profesión de actuación. (Años más tarde, cuando su amigo George Englund lo instó a interpretar a Lear en Broadway, descartó la sugerencia fuera de control. “Georgie, sabes que solo fui a la escuela de actuación para ir Lo único en lo que era bueno, por lo que había recibido elogios, por lo que estaba decidido a convertirlo en su carrera: como abandono de la escuela secundaria, no tenía nada más en lo que recurrir. , tratando de atraer la atención de su madre cuando estaba borracha, lo cual era frecuente. Él haría caras y actuaría escenarios para divertirla, un proceso que probablemente aseguró que la actuación siempre estaría vinculada al intenso dolor personal y un sentimiento de inutilidad y vulnerabilidad, una razón por la que probablemente se fue de actuar a fines de la década de 1970.
Su vendedor padre a menudo estaba en el camino, y la madre Dorothy, a menudo intoxicada hasta el punto de estupefacción, era Experentemente negligente, pero él la amaba ferozmente. Cuando era niño, había tenido que ir a la estación de policía para recoger a su madre, que estaba en el tanque borracho, despojado de ropa. Fue una pesadilla que alentó un retiro a la fantasía de la actuación de juego. Siempre felicitaría a su madre por inculcarle un amor por la naturaleza, un sentimiento que informaba a su personaje Paul en el último tango en París , cuando en un riff autobiográfico basado en una improvisación, el personaje recuerda su infancia Para su joven amante Jeanne.
“No tengo muchos buenos recuerdos”, confiesa Paul, y tampoco Brando de su infancia.
Brando más tarde escribiría: “Cuando usted son un niño que no es deseado o no es bienvenido, y la esencia de lo que eres parece ser inaceptable, buscas una identidad que sea aceptable “. La actuación le permitió probar nuevas identidades para compensar los sentimientos de inutilidad engendrados por sus padres. , Anna Kashfi, “Admiro el talento de Marlon, pero no envidio el dolor que lo crea”. El dolor experimentado por el niño traumatizado bien puede haber sido los granos que irritaban la ostra de su talento, produciendo las perlas de sus actuaciones. Si esto es cierto, entonces uno puede entender el desprecio que Brando tuvo más tarde para actuar.
Para aprender el oficio, Brando inscrito en el dramático taller de Erwin Piscator en la nueva escuela de Nueva York, y fue asesorado por Stella Adler, un Miembro de la famosa familia de actuación de teatro yiddish engendrada por Jacob Adler, uno de los mejores actores producidos por los Estados Unidos. A través de su asociación con el Teatro del Grupo de Izquierda, Stella Adler ayudó a presentar al escenario de Nueva York la técnica de “memoria emocional” del actor, directora e impresio de los teatrales rusos, Konstantin Stanislavsky, cuyo lema era “, piense en sus propias experiencias y use ellos sinceramente “. Aunque Stanislavsky había sido conocido durante mucho tiempo por el escenario angloamericano: Laurence Olivier había estudiado a Stanislavsky como actor de tiro en Londres durante la década de 1920: la traducción de Adler de sus técnicas produjo una piedra filósofa donde la actuación estadounidense se transmitiría en oro.
Adler fue el verdadero creador de la actuación del método, no Lee Strasberg, quien luego reclamaría el título. El método se basó en el estudio de Adler en las teorías del Teatro de Arte de Moscú de Stanislavsky, posteriormente introducida por ella en el Teatro del Grupo. Era un estilo de desempeño más naturalista, ya que engendró una identificación cercana del actor con las emociones del personaje. Esencialmente, el método de Adler enfatizó que la autenticidad en la actuación se logra recurriendo a la realidad interior para exponer una experiencia emocional profunda. El naturalismo y la verdad de su método lo hicieron ideal para los dramas progresivos que el teatro grupal estaba dedicado a presentarse. Adler ocupó el primer lugar entre los maestros de actuación de Brando, y socialmente ayudó a convertirlo de un niño de la granja del medio oeste poco sofisticado en un artista conocedor y cosmopolita que algún día socializaría con el presidente de los Estados Unidos. (Salió con la hija de Adler, y su abrazo del Bud Bando nacido en el Protestante le permitió absorber la sabiduría de la familia Adler a través de la ósmosis. “Soy todos judíos”, diría 30 años después, como una forma de honrarlos). Los resultados de esta reunión entre el actor y el maestro revolucionarían la actuación y la cultura estadounidenses.
Brando debutó en las juntas de Broadway el 19 de octubre de 1944, mientras el niño noruego-estadounidense nels en recuerdo a Mama <, un gran éxito. Posteriormente, Brando fue invitado por exploradores de talentos de varios estudios diferentes para probar la pantalla para ellos, pero los rechazó porque no se dejó sujetar al contrato de siete años estándar. Brando haría su debut cinematográfico en algún momento más tarde en el
hombres de Fred Zinnemann (1950) para el productor socialmente consciente Stanley Kramer, uno de los grandes liberales de Hollywood. Interpretando a un soldado parapléjico, Brando trajo nuevos niveles de realismo a la pantalla, expandiéndose la verosimilitud traída al cine por el ex alumno del Teatro del Grupo John Garfield, el precursor más cercano a él en términos del magnetismo crudo que proyectó en la pantalla.
Irónicamente, fue Garfield a quien la productora Irene Mayer Selznick había elegido interpretar el liderazgo en una nueva obra de Tennessee Williams que estaba a punto de producir, pero las negociaciones se rompieron cuando Garfield exigió una participación de la propiedad en un tranvía llamado Desire . Burt Lancaster se acercó a continuación, pero no pudo salir de un compromiso cinematográfico anterior. Luego, el director Elia Kazan (también alumno de teatro de grupo) sugirió a Brando, a quien había dirigido a gran efecto en la obra de Maxwell Anderson Truckline Café , en la que Brando coprotagonizó con Karl Malden, que debía Sigue siendo un amigo cercano durante los próximos 60 años.
Durante la producción de Truckline Café , Kazan descubrió que la presencia de Brando era tan magnética que tuvo que volver a bloquear la obra Para mantener a Marlon cerca del negocio escénico de otros personajes importantes, ya que la audiencia no podía quitarle los ojos. Para la escena en la que el personaje de Brando vuelve a entrar en el escenario después de matar a su esposa, Kazan lo colocó en el centro del escenario antes de su entrada, parcialmente oscurecido por el paisaje, pero donde la audiencia aún podía verlo mientras Malden y otros jugaron su escena dentro del Cafã © Set. Cuando finalmente entró en la escena, llorando, el efecto era eléctrico. Una joven Pauline Kael, que se convertiría en el mejor crítico de cine en Estados Unidos, había llegado tarde a la obra; Ella evitó los ojos cuando Brando hizo esta entrada, ya que creía que el joven actor en el escenario estaba teniendo una conexión de la vida real. No miró hacia atrás hasta que su escolta comentó que el joven en el escenario era un gran actor. (Ganó el Premio Donaldson por la temporada 1945-46 por la presentación).
El problema con el lanzamiento de Brando, ya que Stanley era que era mucho más joven que el personaje escrito por Williams. Sin embargo, después de una reunión entre Brando y Williams, el dramaturgo acordó ansiosamente que Brando sería un Stanley ideal. Williams creía que al emitir un actor más joven, el Kowalski de Neandertalish evolucionaría de ser un hombre mayor vicioso a alguien cuya crueldad involuntaria puede atribuirse a su ignorancia juvenil.
durante las pruebas fuera de la ciudad, Kazan, Kazan Se dio cuenta de que el magnetismo de Brando estaba atrayendo la atención y la simpatía de la audiencia lejos de Blanche a Stanley, que no era lo que pretendía el dramaturgo. Kazan sabía que la simpatía del público debería estar únicamente con Blanche, pero muchos espectadores se identificaron con Stanley. Kazan preguntó a Williams sobre el asunto, abordando la idea de una ligera reescritura para inclinar la balanza a un mayor equilibrio entre Stanley y Blanche, pero Williams giró, enamorado de Brando, al igual que el público de vista previa. (Este joven, de hecho, era un gran actor, y muchos lo resentirían, cuando dejó el escenario, ya que disfrutaban de la idea de ver esa grandeza en la carne nuevamente).
Brando finalmente estaba insatisfecho Sin embargo, con su actuación, diciendo que nunca pudo resaltar el humor del personaje, lo cual fue irónico ya que su caracterización a menudo se ríe de la audiencia a expensas de Blanche DuBois de Jessica Tandy. El mismo Brando creía que la audiencia se puso del lado de su Stanley porque Tandy era demasiado estridente en el papel. Pensó que Vivien Leigh, quien interpretó el papel en la película, era ideal, ya que no solo era una gran belleza, sino que estaba Blanche Dubois, plagada de ser en su vida real por enfermedades mentales y ninfomanía . (Brando se sintió enormemente atraído por Leigh, pero él evitó tratar de seducirla como la idea de que “Larry” Olivier, el esposo que la había acompañado a Hollywood para vigilarla, era un tipo tan agradable, no se merecía Otro zorro atacando “His Chicken Coop”.)
La aparición de Brando como Stanley en el escenario y en la pantalla revolucionó la actuación estadounidense al introducir “el método” en la conciencia y la cultura estadounidenses. Brando no le gustó el término “el método”, que rápidamente se convirtió en el paradigma prominente enseñado por gurús de actuación como Lee Strasberg en el Actors Studio. Mucho más tarde, Brando denunció a Strasberg en su autobiografía de 1994 canciones que mi madre me enseñó , diciendo que él era un explotador sin talento que afirmó que había sido el mentor de Brando. El estudio de actores había sido fundado por Strasberg junto con el esposo de Kazan y Stella Adler, Harold Clurman, todos los ex alumnos del Teatro del Grupo y todos los progresistas políticos profundamente comprometidos con la función didáctica del escenario. Brando atribuye su conocimiento del oficio a Adler y Kazan, mientras que Kazan en su autobiografía A Life afirmó que el genio de Brando prosperó debido a la capacitación exhaustiva que Adler le había dado. Kazan creía que Brando había arruinado a dos generaciones de actores, sus contemporáneos y los que vinieron tras él, todos queriendo emular al Gran Brando empleando el método. Kazan sintió que Brando nunca fue un actor de método, que Adler lo había entrenado y no confiaba en instintos intestinales para sus actuaciones, como se creía comúnmente. Muchos actores jóvenes, equivocados sobre las verdaderas raíces del genio de Brando, pensaron que todo lo que se necesitaba para crear una gran actuación era encontrar la motivación de un personaje, empatizar con el personaje a través de la asociación de sentido y memoria, y regurgitarlo todo en el escenario, en esencia, en esencia, en esencia, convirtiéndose en el personaje. No es así como lo hizo el Brando excelentemente entrenado; Podría, por ejemplo, jugar acentos, mientras que su actor promedio de método estadounidense no pudo. Kazan sintió un método para el arte de Brando, pero no era el método. (Toda la reducción ad absurdum del método para la motivación fue ridiculizada en un episodio de 1959 de la zona crepuscular, en el que un actor de método grosero interpretado por Brando parecía Burt Reynolds repetidamente, “¿Cuál es mi motivación mi motivación? ? “)
repitiendo a Stanley Kowalski en la pantalla creó un enorme fenómeno cultural, con muchos jóvenes de Swain, con camiseta, gritando” Stella! ” para impresionar a los Mademoiselles locales. Brando recibió el primero de sus ocho nominaciones a los Premios de la Academia para el papel (y fue el único director en el elenco que no ganó), luego presentó a su audiencia tres actuaciones más nominadas al Oscar, en Viva Zapata! i> (1952), Julius César (1953) (sí, el joven genio de la actuación estadounidense podría interpretar a Shakespeare), y la cumbre de su carrera temprana, Kazan’s en la costa (1954). Para su Waterfront Represents of Meat Tadshoreman- cum -snitch Terry Malloy, el pug lavado que “podía haber sido un contendiente”, Brando ganó su primer Oscar.
Pisó esta impresionante cadena de actuaciones con su actuación icónica como el rebelde sin causar Johnny en The Wild One (1954) (“¿En qué te estás rebelando?” Se le pregunta a Johnny. “¿Qué tienes?” ¿Es su respuesta), creando un personaje que hizo a los rebeldes interpretados por el primer discípulo de actuación de Brando y Still-Greatest, James Dean, parece que los muchachos escolares en comparación con su masculinidad y un sentido de amenaza. La primera ola de su carrera fue, según Jon Voight, sin precedentes en su audaz presentación de una gama tan amplia de gran actuación. El director John Huston, quien trabajaría a mediados de los años 60, dijo que su actuación de Marc Antony era como ver la puerta de un horno abierto en una habitación oscura, y Julio César John Gielgud , el primer actor de Shakespeare del siglo XX, invitó a Brando a unirse a su compañía de repertorio. (Más de una década después, cuando su carrera estaba en The Doldrums, Laurence Olivier, el director del Teatro Nacional de Gran Bretaña, trataba de atraer a Brando a venir a Londres y jugar a Hamlet. Tal era el respeto incluso los grandes caballeros del escenario. Para Brando. Circa de 1972, Olivier dijo que Brando era el mejor actor del mundo, un galardón a menudo reservado para el gran Sir Laurence.)
Fue este período de 1951-54 el que revolucionó la actuación estadounidense, Al generar imitadores como Dean, quien modeló su actuación e incluso su estilo de vida en su héroe Brando y Paul Newman. Después de Brando, cada estrella prometedora con un verdadero talento de actuación y una calidad melancólica y alienada sería aclamada como el “nuevo Brando”, como Warren Beatty en el esplendor de Kazan en la hierba (1961) . “Todos somos hijos de Brando”, explicó Jack Nicholson en 1972. “Nos dio nuestra libertad”. El éxito de la revolución aún no fue evidente. Bing Crosby, quien había ganado un Oscar 10 años antes por interpretar a un sacerdote en yendo a mi manera , fue el favorito sentimental para copiar al mejor actor Oscar esa noche, por su turno como actor alcohólico en La esposa del campo . Sin embargo, fue Brando, en su cuarta nominación consecutiva, cuyo nombre fue leído por el presentador Bette Davis. Brando, que había estado masticando chicle toda la noche, se quitó la chicle de la boca, se levantó, se dio la mano de Der Bingle, luego subió al escenario para aceptar la estatuilla.
Dos veces ganador del Oscar Davis, conocida por rebelarse contra el sistema de estudio, le dijo a la prensa que estaba encantada de que Brando había ganado. “Él y yo tenemos mucho en común”, dijo. “Él también había hecho muchos enemigos. Él también es perfeccionista”. Davis fue, posiblemente, el mejor talento de actuación que el cine estadounidense había producido hasta la aparición de Brando. Greta Garbo, la mejor estrella de adornar la pantalla estadounidense en la primera mitad del siglo XX, recibió un Oscar honorario esa noche. La antorcha había sido aprobada. Él era verdaderamente “el Padrino” de una nueva generación de actores estadounidenses, y todavía tenía solo 30 años.
“No puedo recordar lo que iba a decir por la vida de mí”. Dijo Brando mientras agarraba el Oscar. “No creo en mi vida que tanta gente fuera tan directamente responsable de ser tan feliz”. Y la felicidad que había sentido con la vida de actuación era demostrar que la vida corta. Aunque asistió a los Oscar en 1958 (había sido nominado para Sayonara ), no ganó; Para la próxima vez que fue nominado, una generación más tarde, estaba listo para decirle a Hollywood que recibiera su premio y lo empuje. Mientras que algunos jugaron el rebelde en la pantalla, fue el papel que Brando realmente vivió.
