El comunicado de prensa para la primera obra producida de John Osborne, de 26 años, Miring Back In Aando , que se abrió en el aniversario de 11
th del Día de la Victory-Europe (8 de mayo, el 8 de mayo, 1956), llamado el dramaturgo “un joven enojado”. Después del sorprendente éxito de la obra, el término “joven enojado” se convirtió en el Abel de una generación de ingleses nacidos antes de la Segunda Guerra Mundial, pero que llegó a la madurez después de la derrota de la Alemania nazi, cuando el sol que era el Imperio Británico se estaba hundiendo en la puesta de sol. Entonces un evento seminal fue Mirando hacia atrás en ira , el crítico de drama estadounidense Clive Barnes fechó a Mary 8, 1956 como el “cumpleaños real … del teatro británico moderno”.
El ganador del premio Tony John Osborne, uno de los dramaturgos británicos más importantes de la generación de la década de 1950 que revolucionó el teatro de habla inglesa, nació el 12 de diciembre de 1929 en Londres, Inglaterra. Su padre, Thomas Godfrey Osborne, originario de Newport, Monmouthshire, era redactor, y su madre, Nellie, era una camarera de Cockney. En 1941, el padre de John murió de tuberculosis cuando tenía 11 años.
“Todos esperamos a que muriera”, recordó Osborne. “La familia le envió un cheque todos los meses y esperaba que continuara con él en silencio, sin demasiado alboroto vulgar”.
John Heilpern, en su biografía de 2006 John Osborne: los muchos Las vidas del joven enojado creen que la muerte de su padre y la de una hermana mayor (también de TB) fueron los eventos formativos de la vida de Osborne. Junto con su infeliz primer matrimonio (que informó al portrato aciduloso de ira el matrimonio ficticio del protagonista Jimmy Porter), estas muertes fueron la génesis de la ira de Osborne. El odio de Osborne hacia la sociedad, según lo aclarado en el escenario, estaba arraigado en su vida, no en la política. (Para Osborne, el hecho de que el 8 de mayo era el cumpleaños de su padre, así como el día en que se lanzó su carrera como dramaturgo importante, asumió una importancia casi mística para él).
El acuerdo de seguros de su padre La muerte permitió que el joven John fuera a Belmont College, Devon. Después de completar la escuela, Osborne no pasó a la universidad, sino que regresó a Londres para vivir con su madre, donde trató de hacerlo como periodista. Fue presentado al teatro a través de un trabajo que tutora en una empresa de giras de actores junior. Pedido por el teatro, se convirtió en gerente de escena y actor, y finalmente se convirtió en miembro de la empresa de giras provincial de Anthony Creighton. Osborne escribió su segunda obra, enemigo personal , en colaboración con Creighton (su epitafio para George Dillon se organizaría en el Royal Court Theatre en 1958, después de que Osborne se haya roto como Un artista en solitario con la producción de cuenca de Mire hacia atrás en ira ).
Mire hacia atrás en ira se abrió el 8 de mayo de 1956 en el Royal Court Theatre , El 11º aniversario del Día V-E (la rendición de Alemania y el cese de las hostilidades en el Teatro Europeo de la Segunda Guerra Mundial). La obra fue revolucionaria, ya que dio voz a la clase trabajadora y fue una bofetada frente a la gentileza que caracterizó el teatro inglés de la época. Osborne representa una figura de transición en la historia de la etapa británica posterior a la Segunda Guerra Mundial, entre Terrence Rattigan y el ganador del Premio Nobel Harold Pinter.
Un agente de prensa surgió la frase “joven enojado” que “que” que ” Se quedaría con Osborne y sus compatriotas, que crearon un nuevo tipo de teatro enraizado en los dramas de Bertolt Brecht y que mostraban una conciencia de clase trabajadora. Aunque inicialmente recibió críticas mixtas, la obra fue un éxito en Londres, y pronto hizo la transferencia a Broadway, donde se extendió durante un año. Mire Back In Anger fue nominado para un premio Tony de 1958 a la mejor obra (con la nominación citando a Osborne y el productor David Merrick), mejor actriz en una obra (Mary Ure, que se convirtió en la segunda esposa de Osborne) y El mejor diseño de vestuario (The Motley). Finalmente se convirtió en una película protagonizada por Richard Burton y dirigida por Tony Richardson.
Sir Laurence Olivier, uno de los tres grandes caballeros del escenario del período de posguerra (los otros son John Gielgud y Ralph Richardson), había llevado a Arthur Miller y al buen wyf de Bubble Bath de Miller, Marilyn Monroe, para ver la obra cuando Olivier estaba disparando The Prince y The Showgirl (basado en una obra de Terrence Rattigan) en Londres con MM. Olivier no había asistido a la obra, pero Miller insistió en ver la sensación de Osborne. ( observador El crítico Kenneth Tynan había opinado que no creía que pudiera ser amigo de cualquiera que no le gustó ira .)
Olivier fue avergonzado por la obra, pero Miller lo convenció de su grandeza como un trabajo teatral. Miller también afirmó que Osborne era el único dramaturgo que valía la pena ver en Londres. Olivier, sintiendo un cambio de mar en la cultura que podría hacer que los actores de su tipo sean obsoletos y comprometidos con Osborne para escribir una obra de teatro para él, y el dramaturgo siguió enojo con otro trabajo brillante, el artista .
con El artista , Olivier se reinventó como actor y se realineó con el nuevo movimiento juvenil sacudiendo los cimientos del teatro inglés. El Caballero del Teatro dio una actuación de Tour de Force como Archie Rice, un artista de Music Hall de tercera clase de tercer nivel, frente a la emigración a Canadá u Oblivion. Osborne usó el declive del Music Hall, una vez el principal lugar del entretenimiento británico, como una metáfora del declive de la posguerra del Imperio Británico a la luz de la reciente debacle en Suez, cuando el Reino Unido, Francia e Israel fueron rechazados por Egipto y un enojado Estados Unidos cuando los tres países invadieron Egipto para tomar el canal de Suez recientemente nacionalizado. Laurence Olivier recibió su única nominación de Tony por el artista cuando había traído su legendaria actuación a Broadway. (Sir Laurence también ganaría una nominación al Oscar que interpreta a Archie Rice en la película de la obra de la obra de 1960 de Tony Richardson.)
La carrera de Osborne continuó fuerte en la década de 1960. Ganó un premio de la academia al mejor guión adaptado para la versión cinematográfica de Tony Richardson de Tom Jones de Tony Richardson, que copió a Richardson como Oscar como Mejor Director y fue nombrado Mejor Película de 1963. También transformó a Albert Finney en un Estrella de cine, ganándole el primero de sus cinco asentimientos de Oscar. Simultáneo con este éxito de cine fue la producción de Broadway de su obra Luther en Broadway, en la que Finney ganó raves interpretando el retrato de Osborne de Martin Luther, el joven enojado original de Europa que revolucionó el cristianismo 1,500 años después del Cristo. . Era apropiado que un rebelde, el manifestante Osborne, asumiera al padre del protestantismo. La obra, realizada por primera vez en Inglaterra en 1961 y se transfirió a Broadway en 1963, le ganó a Osborne un premio Tony de 1964 a la mejor obra, y obtuvo una nominación de Tony para Finney.
Otras jugadas importantes siguieron. evidencia inadmisible , realizada por primera vez en 1964, convirtió a Nicol Williamson en una estrella del escenario (tanto Osborne como Williamson fueron nominadas para los Premios Tony N 1966 después de que el espectáculo se transfiriera a Broadway). Su otra obra importante de la década de 1960, un patriota para mí (debut en Londres 1965), se ocupó del chantaje del oficial austrohúngaro Coronel Redl (también dramatizado en la película de 1985 del director húngaro Istvan Szabo Oberst Redl ), que era homosexual y posiblemente un judío en una sociedad previa a la Guerra Mundial que era virulentamente anti-gay y antisemita. La producción de la obra ayudó a erosionar la censura teatral en Gran Bretaña. El Lord Chamberlain, el censor teatral en Gran Bretaña, se opuso a la obra y le negó la licencia de exhibición que el teatro necesitaba en espectáculos públicos debido a su franca representación de la homosexualidad.
a cambio de una licencia de exhibición , Lord Chamberlain exigió múltiples recortes, lo que habría resultado en la escisión de la mitad de la obra, según Alan Bates en un B.B.C. Entrevista durante un renacimiento de la obra en 1983. Osborne y la corte real se negaron. Negado una licencia del Lord Chamberlain, el teatro tuvo que convertirse en un club privado para poner la obra en Londres. un patriota para mí ganó el premio al Estándar Evening del mejor juego del año (como lo haría una de sus últimos jugadas, el hotel en Amsterdam en 1968 ), aunque fue un Suctes d’Estime , el teatro no tomó una gran pérdida en la producción.
El año 1968 fue una cuenca en la vida profesional de Osborne. No solo es 1968 el año en que la contracultura “ganó”, barriendo todo antes (y cuyos efectos, así como detritos, aún no han sido reemplazados por nada más), fue el año de su última jugada exitosa, El hotel en Amsterdam , y el año en que se lanzó el magistral satiro de cine de Tony Richardson, basado en un guión de Osborne. El fin de los años sesenta representaba el eclipse de la carrera de Osborne como un dramaturgo importante. El joven enojado fue reemplazado por la generación de baby boom aún más enojada, y más anárquica. Años 50, Osborne no disfrutaría del mismo éxito que lo hizo en las décadas de 1950 y 1960. Protagonizada por el actor austriaco ganador de un Oscar Maximillian Schell, un patriota para mí no fue un éxito en Broadway, duradero pero 49 actuaciones en 1969. El fracaso de la obra fue testigo de la disminución de la destreza comercial de Osborne en el teatro, que una vez Una vez más, estaba experimentando una revolución, pero desde el anarquista se fue con producciones como el musical folk rock de Tom O’Horgan . La etapa de Broadway no ha sido adornada con una obra o avivamiento de Osborne desde entonces.
Las palabras de la generación de Osborne, la consideración, que exigía que la audiencia participara activamente, emocional, espiritual e intelectualmente con el dramaturgo y La producción teatral, estaba siendo reemplazada por la sensación, como la desnudez que ayudó a hacer de cabello un gran éxito, lo que permitió a la audiencia permanecer pasiva. Quizás es por eso que el mejor dramaturgo del teatro en inglés en el período de la posguerra no fue Osborne ni de cualquier otro miembro de la Escuela de Drama de la Cocina-Sink, sino del absurdo Harold Pinter, cuyo idioma era elíptico y, en sí mismo, con frecuencia, con frecuencia, con frecuencia, con frecuencia, Sin sentido.
Los cinco veces casados Osborne murieron por complicaciones de la diabetes el 24 de diciembre de 1994, dos semanas después de su cumpleaños número 65. Su última obra producida fue Dé Jã Vu (1991), una secuela de su primer gran éxito, mira hacia atrás en ira. Su legado era un teatro británico transformado, que había roto sus vínculos con el teatro civilizado consensual de la generación anterior de la generación anterior. la mayoría de los británicos. Osborne y las legiones de dramaturgos que influyó hizo que el lenguaje fuera importante, y introdujeron una intensidad emocional en el teatro. John Osborne y sus hermanos usaron el teatro como una caja de jabón sobre la cual atacar las barreras de clase, y, irónicamente, el tipo de teatro de establecimiento que en sí mismo reforzó esas distinciones de clase.
la generación de Osborne puede considerarse como el Última generación en el mundo anglófono en el que el teatro importaba. Con los enormes costos de producción de Broadway, American Theatre se ha retirado al margen, con Broadway presentando principalmente musicales y avivamientos de obras de teatro una vez populares con televisión y estrellas de cine desteñidas, Miked para una audiencia que nunca ha experimentado un verdadero teatro.
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