A lo largo de la historia siempre ha habido momentos en que los cimientos y las bases de las tendencias comunes se rompen y un cambio en el estilo ocurre en el mundo del arte. Las razones de tales cambios van desde nuevas formas revolucionarias de introducir la aplicación del arte hasta cómo se aplica el estilo. Durante el período de establecimiento después de la Primera Guerra Mundial, el mundo del arte tomó un cambio dramático en su estilo. Tomó un cambio en una dirección completamente nueva, llevándose a través de algunos movimientos innovadores. Estos movimientos variaron de posturas políticas a expresiones personales a un cambio global en el estilo popular de arte en ese momento. Después de la Primera Guerra Mundial, hubo un gran cambio en el sistema de arte en todo el mundo, y en allí encontrará la principal revolución del arte que tuvo lugar.
Uno de los movimientos más notables de la revolución artística fue El movimiento Dada. Este movimiento fue uno que se inició en uno de los epicentros más grandes del mundo del arte, Alemania. La historia más aceptada del movimiento DADA se inició en “Cabaret Voltaire” de Hugo Ball, en Zurich. Los jóvenes artistas del interior apuñalaron un cuchillo en un diccionario y la palabra, “Dada” era lo que se encontraba, y así se inició el movimiento de Dada. La parte interesante de Dada era que su objetivo era su propósito declarado era “matar arte”. Este arte fue muy impresionista y nihilista. Prosaron un intento de arte abstracto e impresionismo. El grupo de Dada original se reuniría en la cafetería y, aunque en el exterior, parecía ser inofensivo desde su principio, las salidas pronto degeneraron en provocaciones sistemáticas contra la burguesía. El arte se hizo simplemente como una vanguardia. Otto Morach, Arthur Segal …) se entremezcló con las obras de pintores contemporáneos que habían considerado como sus influencias para su arte. Un artista de particular interés es Marcel Duchamp. Aunque nunca se alineó realmente con una sola forma de dadaísmo o surrealismo, su arte todavía estaba correlacionado con ellos. Su arte era humorístico y estaba hecho de varios tipos de medios. Su pieza más famosa, la rueda de la bicicleta, estaba hecha porque “… tenía la feliz idea de sujetar una rueda de bicicleta a un taburete de cocina y verlo girar”. – Duchamp, apropiado de Readymades, 1951. Aunque la pieza se perdería en la historia, siendo su primer “readymade”, y nunca se consideró realmente una pieza de arte real, sino una pieza experimental para su propio propósito. Sin embargo, solo porque el pensamiento inicial detrás del objeto no estaba en realidad orientado al arte, no significa que Duchamp no aceptara de todo corazón las excelentes críticas y contradicciones que luego adquiriría cuando se designe como art.
> Otra transformación del mundo del arte durante este tiempo de la historia fue el movimiento del surrealismo. Andre Breto comenzó este movimiento a principios de la década de 1920. Este movimiento surgió directamente del dadaísmo. Al igual que el dadaísmo, el surrealismo mantuvo el papel de los inconscientes en la actividad creativa, sin embargo, este estilo de arte empleó al inconsciente psíquico de una manera más sistemática y más solemne. El surrealismo no solo motivó el arte, sino que también hizo bastante a la vanguardia de la literatura. En lo que respecta a la pintura y las esculturas, el surrealismo sigue siendo una de las principales influencias del siglo XX. El surrealismo afirma la influencia en las artes de pintores como el Paolo Uccello italiano, el poeta y artista británico William Blake, y el francés Odilon Redon. Durante este siglo, los surrealistas también admiraban e incluían en sus exposiciones, obras de la Girogio de Chirico italiana, Marc Chagall, el artista suizo Paul Klee, Marcel Duchamp, Francis Picabia y el artista español Pablo Picasso. Sin embargo, ninguno de estos artistas fue parte del grupo surrealista.
El surrealismo, como el dadaísmo, fue una protesta nihilista de todas las características que estaban remotamente relacionadas con la cultura occidental. La pintura surrealismo exhibe una gran variedad de contenido y técnica. Salvador Dali, por ejemplo, consistía más en un tipo de transcripción directa y fotográfica de sueños, que derivó la inspiración de tal arte de las artes de ensueño de De Chirico anteriormente pintadas. Además, Joan Miro, pasó un mes entero, trabajando todos los días para una pintura de una vida muerta de una manzana que se estableció en la galería de su concesionario de París, Pierre Loeb. La pintura se terminó el 29 de mayo de 1937. La pintura se terminó en su estudio, consiste en una manzana, en la que se ha atascado un tenedor de seis tintos; una botella de ginebra rodeada de un periódico desgarrado, asegurado con una tanga; un talón de pan; y un zapato izquierdo, con su encaje desatado. La manzana es marrón, tal vez incluso podrida; El pan se seca; Se usa el zapato, del título de la vida muerta con el zapato viejo. El arte como este era fuera de la pared y no lo que la mayoría había anticipado de esos días.
Uno de los estilos más diferentes sería el movimiento De Stijil. El movimiento abarcó un nuevo recuento en el arte moderno: arquitectura. El movimiento usó su talento artístico diseñando casas, edificios y, de todas las cosas, muebles. A diferencia de los arquitectos durante este tiempo, el movimiento De Stijil comenzó una nueva tendencia que su nombre se tradujo en literalmente, “The Style”. El movimiento De Stijil fue fundado originalmente en 1917 por un grupo esperanzador y optimista de arquitectos jóvenes holandeses. Uno de los nombres más destacados de la época, Piet Mondrian. Mondrian en 1914 se vio obligado a permanecer en Holanda debido a los cambios en la guerra. Mientras se quedaba en Holanda, Mondrian conoció a Bart Van der Leck y Theo Van Doesburg. Mientras allí los tres eventualmente serían los fundadores del movimiento. El movimiento pasó por tres períodos, que lo definen como un todo. Las tres etapas fueron las siguientes: el período inmaduro que duró entre 1916 y 1921, el período maduro de 1921 a 1925 y el período de deterioro de 1925 a 1931. Durante la primera etapa, los artistas se centraron principalmente en exhibir pintura y esculturas, haciéndolo con dibujos y dibujos de las calles de la ciudad. También durante esta fase, los artistas trabajaron en estrecha colaboración entre sí en la revista De Stijil, una revista autopromotora fundada en 1917. Durante la segunda fase, el período maduro sería la era en la que los críticos mostrarían sus obras más duraderas. El período de deterioro sería un momento en el que los tres se separarían y el movimiento De Stijil “terminaría”.
Sin embargo, este sería el momento en que los artistas tendrían sus momentos más exitosos. Una de sus obras más memorables, el árbol rojo, refleja no simplemente un árbol visto ahora, sino que la forma en que ha evolucionado, ha vivido, se ha formado, todavía está en formación, se marchitará y morirá. Pero luego tienes obras como, el árbol azul, en el que el árbol se muestra en necesidad de crecimiento, los dos son imágenes retorcidas de tormento y desesperación.
En Estados Unidos, también había una movimiento pasando. El movimiento de modernismo estadounidense fue una facción que ocurrió en Estados Unidos a fines de la década de 1920. Este movimiento no fue tanto un movimiento como marcar un lugar en la historia artística en el que Estados Unidos dio un gran paso en las marcas de la historia. Los nombres más importantes que vale la pena mencionar son Alfred Stieglitz y Georgia O’Keefe. Ambos estaban casados y tenían una habilidad especial para capturar hermosas imágenes de su cámara. Formó un grupo llamado Photo-Secession, que era un grupo de fotógrafos muy talentosos que se mantuvieron en exhibiciones y publicó su trabajo en un trabajo de cámara con nombre trimestral. Georgia O’Keefe pintó pinturas al óleo, carbón, pinturas de agua y otros arte de estilo similar. Tanto Stieglitz como O’Keefe capturaron arte aún muy provocativo y sobresaliente. Las piezas más famosas de O’Keefe son de sus flores y de Lily. Las piezas alcanzan hasta US $ 25,000. Aunque ambos medios eran diferentes, ambos tenían la misma cantidad de impacto en la historia del arte.
Otro movimiento estadounidense, el regionalismo representaba varias formas de vida en Estados Unidos. Este fue un movimiento para las pinturas de la escena estadounidense que representan aspectos panorámicos de la vida estadounidense típica y ajardinados pintados de una manera naturalista y descriptiva durante la Gran Depresión en Estados Unidos. El regionalismo es un término general para el regionalismo rural estadounidense y el realismo social urbano y políticamente cargado, pero los límites exactos siguen siendo bastante ambiguos. Es un estilo antimodernista que fue una reacción contra el estilo europeo moderno. La pintura de la escena fue vista como un intento de definir un estilo de arte único estadounidense. Sin embargo, este término no significa un movimiento organizado, sino más bien un término amplio para que los artistas estadounidenses se alejen de la abstracción y la vanguardia en el período entre las dos guerras mundiales. Los principales jugadores de esta época fueron Edward Hopper, Thomas Hart Benton y Jacob Lawrence.
Hopper, muy influenciado por Rembrandt, específicamente el reloj nocturno. Hopper era un viajero y después de haber viajado por Europa, sintió que Estados Unidos era demasiado suave, pero su arte seguía siendo hermoso. No fue hasta más tarde cuando finalmente se vendiera su arte y su primera imagen madura, la casa junto al ferrocarril, se volvería famosa. Su arte era moderno en su desolación y simplicidad; También estaban increíblemente llenos de nostalgia por las moralidades puritanas del pasado estadounidense. Thomas Hart Benton, por otro lado, tomó una parte del sustento estadounidense en su arte. Pintó murales que representan escenas cotidianas de la vida del medio oeste.
El arte de Jacob Lawrence representaba los tiempos de los afroamericanos durante los períodos arbitrarios a lo largo de la historia. Los tres que dan un gran paso en la historia del arte estadounidense.
El período de arte después de la Primera Guerra Mundial es probablemente uno de los más influyentes para los estilos de arte de hoy. Teniendo en cuenta toda la cultura modernista, anti-occidental y las escenas abstractas, es muy evidente cuán influyente es este período en la historia para el arte. Mirando hacia atrás en estos estilos de arte que fueron hechos, uno puede ver las diversas explosiones de creatividad y cómo han salido las increíbles obras de arte de estos cambios en la historia.
