A lo largo de los años 60 y 70, se proyectaron todo tipo de películas horribles que prometían las representaciones espeluznantes y gráficas de violencia, tortura y violación. Si obtuvieron calificaciones en absoluto, fueron calificados X. Los clientes fueron atraídos a los teatros con carteles salaces y títulos provocativos.
Al principio las películas mismas eran simplemente facsímiles pálidos del caos y la Debauchery que se jactaban en la publicidad, pero como un tiempo Llevado en el público comenzó a ver a través de esas viejas tácticas y los cineastas se dieron cuenta de que tenían que hacer pony y comenzar a entregar los productos. Pronto, este “teatro de crueldad” se intensificó hasta el punto en que nacieron las “películas de snuff”, películas donde un actor fue torturado y asesinado en la pantalla. Nunca ha habido un caso autenticado de una verdadera “película de tabaco”, pero solo la posibilidad de que fuera cierto fue suficiente para atraer al público ahora con jade. Cinematic Fare, ha decidido poner su nombre en el reciente albergue de cine de Eli Roth en un intento por atraer a los clientes modernos que pueden desanimarse por la promesa de violencia gráfica extrema pero que respondieron con tanta entusiasmo a la violencia más “juguetona” de Pulp Fiction o Kill Bill.
La violencia de la película es muy diferente hoy que en los años 60. Es cierto que ha habido grandes avances en la creación de efectos gore realistas. También se ha intensificado el gran volumen de escenas de acción violentos dentro de una película. Aún así, algo se ha perdido en los últimos tiempos. Los personajes solían ser heridos por la violencia. Solía tener un impacto más allá del mero valor de entretenimiento. Hoy en día, la reacción típica a la violencia de la pantalla no es “¡Oh, qué horrible!” Pero “¡Oh, qué divertido!”
Última casa a la izquierda, una película de Wes Craven de bajo presupuesto temprano de 1970 fue nauseabley gráfica para su tiempo … e incluso hoy es una sarna presentación y ambiente documental. La violencia hecha a los personajes parece que es real … como si duele. Eso es algo que falta en la pesadilla posterior de Craven en Elm Street y las películas de “Scream” … la violencia se establece como la línea de golpe para una broma en lugar de un verdadero acto de horror. Incluso en la “masacre de motosierra de Texas” original, había una sensación palpable de temor, un realismo marcado (tal vez debido al hecho de que los clientes potenciales fueron interpretados por caras desconocidas) que trascendía cualquier cosa vista en las secuelas, rillas y estafas cada vez más .
“Spit on Your Grave”, otro clásico de explotación de los 70, se refiere a las lámparas y violaciones sádicas de la heroína a manos de un montón de psicópatas de backwoods … un acto que se muestra en detalles inquebrantables. La actriz principal es tan convincente que uno podría ser perdonado por pensar que posiblemente los cineastas realmente sacaron a una mujer en el bosque y abusaron de ella. Aparentemente, los protagonistas en las llamadas “películas de tabaco” que salieron en los años 70 fueron considerablemente menos convincentes. Pero el punto permanece: ¿fue realmente necesario mostrar el dolor agonizante y la humillación de la violación con tal detalle? La reciente película francesa “Irreversible” se encontró con las mismas críticas. ¿Dónde está la línea entre el arte y la explotación?
. ¿Es simplemente un shock por el bien del entretenimiento? ¿O es algo más … es una comprensión y empatía más profunda creada en la audiencia que habría tenido un impacto menor al pasar por alto la brutalidad? Para que la heroína de “I Spit on Your Grave” se justifique en sus acciones violentas posteriores contra sus atacantes, probablemente fue esencial representar el alcance total del horror que experimentó.
sus propios actos sangrientos de venganza Tenga su propio poder visceral y estoy seguro de que muchos espectadores masculinos se vieron obligados a girar la cabeza en la angustia ante el presupuesto de un hombre a través de un instrumento afilado llevado a los genitales. Tan crueles como parecen estos actos en el cine, el efecto en la audiencia generalmente es una mayor empatía por la difícil situación de la víctima en lugar de una identificación indirecta con los perpetradores y sus actos atroces.
Hostel intenta convocar El espeluznante de esos viejos clásicos de Grindhouse, pero aparece un poco corto. La película llega a un pico durante una secuencia de tortura de película media que evoca una sensación de impotencia casi insoportable en la audiencia. La escena es defectuosa solo por la entrega del torturador que parece haber salido de una película de Indiana Jones. Su disposición desapasionada recuerda el papel del torturador de Laurence Olivier en Marathon Man.
Esto es desafortunado. Esta secuencia está tan bien configurada que nadie que lo vea debería pensar en otras películas. A pesar de que el discurso del villano puede ser, funciona en contra de la dura realidad de la situación. Otra película traída a la mente por las escenas de tortura en el albergue es la “audición” muy superior de Takashi Miike. ¿Están los cineastas familiarizados con el trabajo de Miike? Bueno, le dan un pequeño cameo un poco más de la mitad de la película … así que tú serás el juez.
La película disminuye rápidamente en efectividad desde la mitad del punto. Una segunda víctima de tortura está asegurada y enfrentada con la perspectiva de una terrible experiencia larga y dolorosa. Un deslizamiento por parte de su torturador (literalmente) le da su libertad y el marcado realismo de los primeros dos tercios de las películas da paso a las típicas travesuras de Hollywood. Aparece un villano “feo estadounidense”, pero su racismo venal y su misoginia son demasiado caricaturescos y exagerados para creer. No es que no haya personas así en el mundo, simplemente tienden a mantener sus cartas un poco más cerca de su chaleco.
Los otros villanos más creíbles se envían con demasiada facilidad, configuradas como alfileres Una bolera (en un caso, casi literalmente) y prácticamente puedes ver al escritor/director revisándolos en su lista de tareas pendientes. Todo se vuelve muy desesperado, al igual que la conclusión de la nueva versión estadounidense del clásico de suspenso holandés The Vanishing.
El final se ata todo demasiado bien en un bonito arco rojo para que todos puedan irse a casa sintiéndose bien . Esta película puede tener lugar en Europa, pero no hay duda de que se produjo en Estados Unidos … a la audiencia se le debe dar una razón para animar mientras abandonan el teatro … incluso a expensas de la lógica y el realismo.
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< P> No estoy diciendo que la película haya tenido que terminar en una “decepción” para ser efectiva y estoy de acuerdo con la decisión de proporcionar algún tipo de lanzamiento catártico para la audiencia al final. Creo que, sin embargo, que podría haber habido un poco más de consideración o meditación (como, por ejemplo, al final de la “audición” antes mencionada) y menos heroicas.
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