Introducción
A primera vista, la idea de que alguien, mucho menos un artículo corto, puede enseñar las complejidades de pintar algo tan abstracto como el arte abstracto, puede parecer absurdo. Sin embargo, antes de juzgar este artículo, recuerde que el arte, aunque es una forma de expresión individualista, a menudo sigue un conjunto suelto de límites o pautas. Por ejemplo, si bien no se nos enseña a escribir como Hemingway, podemos aprender sintaxis del lenguaje básico y estudiar su trabajo. En la misma línea, si bien el arte abstracto no se puede enseñar en el sentido tradicional, hay algunos límites básicos de la nave que se pueden aprender. Combinado con su propia imaginación y algunas prácticas, estos límites básicos ayudarán a producir piezas artísticas individualistas.
Entonces, con ese pequeño descargo de responsabilidad fuera del camino, aquí hay algunos consejos sobre cómo pintar arte abstracto: <// P>
Técnicas de la base
Intensifique los colores basados en la intensidad de los estados de ánimo
Imagine que cada color en la paleta es un estado de ánimo, en su mano tiene un conjunto de estados de ánimo o expresiones de sí mismo. Teniendo esto en cuenta, la intensidad del color que usa para una sección particular de la pieza puede usarse para representar la intensidad de su estado de ánimo hacia esa sección. Si el tema lo emociona, por ejemplo, puede optar por usar un color intenso o una mezcla de color, lo que ayuda a simbolizar sus sentimientos hacia ese tema. Cuanto más brillante es el color, más intensa es la emoción; Cuanto más oscuro sea el color, más sometido.
Cambia de colores para adaptarse a los estados de ánimo/sentimiento
Además de simplemente permitir que el Colores que usa para reflejar sus emociones internas, puede optar por cambiar el color del sujeto por completo para fortalecer una connotación particular. Usar tanto intensidad como tono para transmitir sus pensamientos internos ayuda a crear una expresión multifacética de sí mismo, mientras que la intensidad del color puede simbolizar la intensidad de un sentimiento, el color en sí mismo refinará esa sensación en una ilustración más concreta.
mientras que el Las ideas de simbolismo del color están más allá del alcance de este artículo, para el arte abstracto simplemente concéntrese en cómo un color particular te hace sentir. Por ejemplo, un amante de la guitarra puede optar por pintar guitarras en un tono brillante de rosa, mientras que un estudiante pobre puede representar su resentimiento pintando boletas de calificaciones en un color gris opaco. Simplemente mire cierto color y concéntrate en cómo te hace sentir, qué emociones expresa sobre tu ser interior. No hay una respuesta correcta o incorrecta, es simplemente subjetivo.
altere la forma de los objetos
alterando la forma de Un tema es una forma poderosa de colocar aún más sus sentimientos y pensamientos intrínsecos en una forma visual. Si bien cambiar el color y el tono de un sujeto es extremadamente abierto en términos de transmitir emoción, alterar la forma de un objeto puede ser tan sutil o pronunciado como desee. De hecho, el uso más magistral de la reforma de la forma del sujeto proviene de ajustes sutiles que en su mayoría son subconscientes. Sin embargo, si desea tener un efecto pronunciado, puede optar por exagerar en su composición en su composición. Forma que transmite algo sobre su tema. Por ejemplo, un círculo a menudo denota una sensación relajada de bienestar holístico, mientras que un cuadrado puede implicar determinación o terquedad. A pesar de estas convenciones, usted, el artista, en última instancia, decide cómo desea simbolizar un tema en su trabajo.
< < U> Manipulación de niveles de detalle
Manipular los niveles de detalles utilizados para retratar ciertas partes de su composición es una herramienta poderosa para agregar profundidad de emoción a su pieza. Un nivel de detalle puede correlacionarse con varios sentimientos o intensidades. Por ejemplo, un nivel de detalle compartido entre dos o más sujetos en una composición puede mostrar sus conexiones entre sí. Del mismo modo, se puede usar una diferencia en el nivel de detalle entre los sujetos para denotar su importancia relativa.
además de usar niveles de detalle para mostrar ideas bastante concretas, como un sujeto de importancia relativo o intermedio -Ennectación de sujetos, el nivel de detalle utilizado para retratar un tema también puede mostrar una conexión con la realidad. Especialmente cuando la mayor parte de la composición es extremadamente abstracta, una gran diferencia en el nivel de detalle que contiene un objeto en particular ayuda no solo a los espectadores al punto focal de una pieza, sino que también puede simbolizar una emoción visceral o comprensión dentro del artista. Por ejemplo, si bien los antecedentes de una calle del vecindario pueden ser bastante abstractos, una abuela moribunda en la acera, que es ayudada simultáneamente por los paramédicos y agarrando a su nieto, puede estar en un realismo completo.
Imagine su pincel Para ser una cámara y los niveles de detalle que utiliza para ciertos sujetos, ser el equivalente a una configuración de enfoque. Use diferentes niveles de detalle para su ventaja no solo para la expresión emocional, sino también para ayudar a crear puntos focales en su pieza y dibujar al espectador para que comprenda la imagen.
Cambiar las perspectivas del sujeto < /u>
Distorsión la perspectiva del sujeto, o porción del sujeto, es una de las herramientas finales para mostrar hábilmente sus emociones en su trabajo. Cambiar la perspectiva de un solo tema puede ayudar a ilustrar un punto focal, una desconexión emocional o simplemente resaltar una rareza en la naturaleza o en mente. Por ejemplo, se puede hacer un retrato completo en la perspectiva frontal, mientras que el ojo izquierdo se realiza en un perfil derecho.
Pablo Picasso es un excelente ejemplo de un artista que usó cambios de perspectiva de sujeto extraño en su trabajar. Dependiendo de su estilo y preferencia personal, es posible que desee hacer lo que lo ha hecho, cambiando las perspectivas como un rasgo estilístico. O bien, simplemente puede optar por estar más reservado al elegir y cambiar las perspectivas. La elección es tuya.
Outling
dependiendo de las emociones que desee transmitir, así como sus propias preferencias estilísticas , puede optar por delinear todas o partes de su trabajo de alguna forma. Si bien es perfectamente aceptable omitir el contorno por completo, si elige emplear el contorno en su estilo artístico, es fácil agregar otra capa de simbolismo a través del contorno en sí. Un objeto puede simbolizar una emoción negativa hacia él; Usar un esquema suave podría indicar el inverso. La intensidad, el color y el ancho de un esquema podrían tenerse en cuenta como herramientas para aumentar la profundidad de expresión dentro de su pieza. Por el contrario, puede optar por no describir nada en absoluto, lo cual es igualmente aceptable.
Conclusión
Al combinar y construir las técnicas que se muestran, puede Cree una expresión visual de sí mismo a través del arte abstracto. Tenga en cuenta que ese arte abstracto y el arte en general están completamente dedicados a la expresión personal y al simbolismo de sus propios sentimientos reflejados por el mundo que lo rodea. Es esta calidad de expresión personal, junto con la interpretación de un espectador particular de esa expresión, lo que hace que el arte abstracto sea tan maravilloso tanto para el artista como para el apreciador. Dado que el arte abstracto es, por definición, abstracto, no hay una forma correcta de expresarse. La única dificultad que puede enfrentar es permitir que sus verdaderas emociones fluyan a través de su cepillo y hacia el lienzo. Aparte de eso, su arte es tan significativo y expresivo como el de cualquier otra persona, independientemente de la habilidad o experiencia técnica.
