Introducción
Durante el siglo XVII, los artistas realmente intentaron manipular a su espectador mediante el uso de nuevas técnicas y temas controvertidos. Caravaggio, Bernini y Borromini.
Caravaggio (1571-1610)
Caravaggio usó el realismo para transmitir una nueva dimensión de los sujetos que pintó. Al igual que Titian, pintó directamente en el lienzo, sin embargo, a diferencia de Titian que trabajó en modelos en vivo. Esto le dio a su trabajo una realidad y genios, que muchos artistas anteriores se habían negado a incorporar a su trabajo. Caravaggio retrató las cosas y la vida que conocía, llena de turbulencias y llena de vida. Este realismo a menudo se extrajo de su propia vida y era de naturaleza autobiográfica como en su trabajo el llamado de San Mateo (Janson y Janson, 2004, p. 561). Sus obras religiosas, deidades y santos estuvieron representados por “bajas vida”, los plebeyos que se dedican a su vida cotidiana. En estas representaciones de personas aparentemente comunes todavía se captura un elemento espiritual. Caravaggio pudo hacer esto debido a su estudio del renacimiento y el arte clásico de Roma. Pudo usar la luz en una materia “divina” que aumentó al plebeyo con una santidad adicional. Su capacidad para inducir una externalización de la contemplación espiritual es lo que hizo que Caravaggio sea grandioso. (Janson y Janson, 2004, pp. 560-561) .ã¯â¿½
Berini (1598-1680)
Bernini fue el sucesor y Estudiante de Miguel Ángel tanto en escultura como en pintura. Cuando se hizo cargo de la construcción de San Pedro, utilizó el genio escultórico inspirado en el estilo Michelangeloesque a su diseño. En la explanada de la fachada de San Pedro, Bernini creó una enorme plaza ovalada abierta que creó una apariencia estructural de “brazos abiertos”. Estos brazos abiertos parecían llamar a las personas en el calor maternal de la iglesia. Si bien este enfoque no era un concepto nuevo y había sido utilizado por Jacopo Vignola para una comisión privada en la década de 1550, Bernini instaló un elemento revolucionario en este diseño colocando la entrada a la iglesia dentro de los brazos abiertos. (Janson y Janson, 2004, p. 571). ïâbo½
El diseño interior fue un desafío debido a su enormidad. Bernini fusionó la arquitectura y la escultura para crear un sentido de espiritualidad y deleite óptico. También fusionó la iconografía cristiana y pagana para crear un sentimiento de cristianismo superando las religiones paganas de los antiguos. Esto se vio especialmente en la representación simbólica de este tema colgando una cruz sobre un orbe dorado. (Janson y Janson, 2004, p. 571). ïâbo½
El éxtasis de Sta. Theresa, la escultura y la luz natural solían crear la sensación de que el espectador estaba experimentando el evento dentro de la escultura. Mármol tallado solía crear rayos de luz sólidos, mientras que una ventana sobre la escena agregaba luz radiante natural. >
Si bien los diseños arquitectónicos de Bernini eran simples y unificados, los diseños de Borromini, como su personalidad, eran complejos y extravagantes. En una época en la que los artistas usaban el cuerpo humano como una forma de expresar la espiritualidad, Borromini usó su increíble visión del uso de formas geométricas para crear un sentido de espiritualidad. En la cúpula de S. Carlo Alle Quattro Fontane, solía agotar los elementos reflectantes y de sombra de las superficies cóncavas y convexas. Esto creó formas geométricas sombreadas y formas geométricas iluminadas. Estas formas incluían, por supuesto, el crucifijo. Mirar hacia el interior de la cúpula es casi vertiginosa mientras la mente y los ojos tratan de concentrarse en los cientos de formas, texturas y puntos focales, lo que lo lleva al trabajo como si se fuera espiritualmente levantado a los cielos. Otros elementos utilizados por Borromini son igual de audaces. Utiliza la escultura para producir una audiencia para su trabajo.
Referencias más ½
Janson, H.W. & Janson, Anthony F. (2004). Historia del arte: la tradición occidental. (6ª ed.). Upper Saddle River, NJ: Pearson-Prentice Hall.
