La década de 1920 en los Estados Unidos fue un momento turbulento. La prohibición estaba en pleno apogeo, y la denuncia de la inocencia provocada por el incumplimiento popular generalizado con los mandatos de la enmienda 18 th y la Ley Volstead ha cambiado la forma de América para siempre. La cultura popular, el hedonismo y las alegrías de la ciudad eran conceptos más prominentes en esta época. El Automat , de Edward Hopper tiene la intención de encarnar una sensación de este período de tiempo en su lienzo. Sin embargo, no está destinado a alabar sino exponer y presentar.
La mujer se sienta en silencio y sola en un restaurante automatizado. La ventana detrás de ella revela una oscuridad profunda y opaca, puntuada solo por una cadena de luces de platillo, cada una monótona y similar, cada una reflejada en su vecino en forma y distinción, y que se extiende hacia el automatista solo para reflejarse en formas decrecientes sobre El vidrio ahumado. La única fuente de luz proviene de dentro del restaurante; Revela toda la escena y la cubre con colores llamativos y encalados. Casi se puede sentir la desesperación en el aire y, sin embargo, no hay escapatoria. Al igual que con los nighthawks de Hopper , no hay salida, no hay salida al círculo del ser. La mujer está abandonada y atrapada dentro de …
El primer tema y el tema más claramente visto en esta pintura es la soledad y el desapego. Un espectador que mira la pintura por primera vez puede comprender fácilmente una sensación del silencio absoluto y la distancia que dicta la atmósfera. La mujer se sienta sola en un automóvil, un vacío en blanco pintado en su rostro. Ella es el único objeto principal en la imagen. Fuera del restaurante, no podemos ver nada. Un velo de ropa de oscuridad impenetrable de la ventana hacia el exterior y la única fuente de la luz de “vida” está dentro; La mujer está “atrapada” dentro del automat y no puede escapar. Ella está completamente separada y aislada; solo. No hay puerta presente en la escena, enfatizando nuevamente el efecto de la lejanía y el aislamiento. También podemos mirar los colores presentes en la pintura. La piel de la mujer está pintada con tonos demasiado brillantes y encalados y parece translúcido, como wraith y fantasmal. Ella no es parte de este mundo. Esta fue la década de 1920. Aunque en su superficie, los veinte años, era una era de cultura jubilosa, la belleza es solo una piel profunda. Los años veinte enfatizaron la extroversión, y junto con la prohibición que impulsa actos aleatorios de ilegalidad y “hedonismo descuidado”, era una era en la que a las personas no les importa lo que realmente importa, sino que dedicó sus vidas al placer. La ciudad puede encarnar una gran parte de esto. La ciudad es una entidad del aislacionismo. Hay una esfera separada para todos en un entorno urbano, y la interacción significativa disminuye. En las calles, se presenta y conserva la ley de ignorancia. Ignoramos a propósito e ignoramos; Pasando como fantasmas entre las hordas de divagación. El aislamiento personal urbano, el desapego y la impersonalidad están en el corazón de automat .
basándose en esto, nuestro segundo tema es la deshumanización. La mujer es un accesorio. Ella no muestra movimiento o podemos ver cualquier pista de que hay un impulso para el movimiento. Su rostro no tiene emociones y está quieto. Sus ojos están oscuros y mirando y su boca ligeramente cerrada, su rostro dirigió a sus manos. Ella es fija y estática, como un cadáver o estatua y solo podemos juzgarla como tal. Los colores invertidos en su figura, los negros oscuros y los blancos llamativos, también buscan resaltar la sensación de extrañeza y equivocación con su humanidad. Además, el espectador a primera vista ve a las mujeres, pero si uno parece más de cerca, el objeto central de la pintura es, de hecho, el tazón de fruta. El color animado de los plátanos y las naranes le da vida y una sensación de vivacidad, mientras que la mujer yace fría y muerta a su lado. Otro símbolo de desapego humano es el automat. Un automat es un restaurante automatizado, donde las máquinas operadas por monedas sirven alimentos. La presencia de la mujer en un automóvil, separada de la sociedad exterior humana con la oscuridad de las ventanas, una vez más subraya la eliminación de la mujer de la humanidad. Las lámparas dentro del restaurante simbolizan la luz guía y abrazada, y es solo en el automatio que vemos tales luces. A pesar de su impersonalidad e inhumanidad, es todo lo que tiene la mujer solitaria. El restaurante automatizado la abraza, y no puede soportar dejarlo ir. Su chispa humana se ha extinguido en las aplastantes sombras de las presiones de la ciudad. Los veinte años no eran un momento para valores o creencias personales. The Waste Land por T.S.eliot describe la pérdida de valores en la sociedad humana moderna. Los tabloides, las celebridades, el alcohol; No había preocupación en el público en general, excepto los problemas superficiales e inútiles que constituyen la cultura popular de ese período de tiempo. La búsqueda de la actualización propia y el beneficio personal ha destruido la humanidad interior de los estadounidenses, el núcleo de la creatividad y la interacción. Al usar nuevas comodidades que fomentan la disociación, como el automat, se desaconseja la interacción humana. Cada ser humano finalmente llega al punto en que no hay ningún propósito en la humanidad, donde cuestionan los objetivos de su existencia y les resulta falta. La ciudad exacerba las cosas al forzar la adherencia a su cultura, asimilando a los no dispuestos a un estilo de existencia caracterizado por la actividad, su velocidad y veracidad. No hay tiempo para la interacción; No hay tiempo para la humanidad. Todo está abrumado, consumido e incinerado en los incendios rugientes de la época y la metrópoli de los años 20.
Ahora, llegamos a los impactos de la ciudad que podemos observar en la cara de la mujer. Una mirada de depresión brotada sublima instantáneamente de sus ojos; Downcast and Slanted, miran hacia la parte inferior derecha mientras su boca se enciende ligeramente en una mueca de ser dolida de ser. Su rostro es flojo y apático. No hay energía en su vida, porque su existencia es peor que la muerte, ya que su humanidad es devora y ya no queda nada en la tierra para ella. Esto refleja la deshumanización y la depresión urbana que vemos en ciudades y áreas metropolitanas todo el tiempo. ¿Hay un propósito verdadero y distinto en la vida si uno simplemente repite las acciones de los compatriotas, de los sofocantes millones de compatriotas? ¿Puede la humanidad sobrevivir sola y marginada, pariahed de la humanidad y, sin embargo, abrazada y tragada por los rugientes millones de urbanidad? Uno está aislado de la calidez pero se le da una mirada de descremado; ¿es suficiente? La melancolía del ser siempre se extenderá una vez que uno se haya dado cuenta de que la existencia no cumple un gran cambio en el mundo, que cada día no trae nada nuevo y nada para moverse y actuar. Tal es la apatía y tal es la depresión. Esta era la ciudad. El período de tiempo de los años 20 y antes trajo los cambios a una ciudad de muchas maneras. La gran migración trajo a los afroamericanos del sur a las metrópolis del norte. La era del jazz golpeó, y All America se dedicó a una celebración de la indulgencia. La prohibición no hizo nada para detener esta marea. En todo caso, lo alimentó. Crimen, terror y violencia y guerra y alcohol, películas, películas y riquezas, baile, jazz y música y los veinte años se estrelló por Estados Unidos. En esto, se enfatizó el exterior del ser, mientras que la tranquilidad interna del ser fue arrojada al camino. En esto, la deshumanización es un efecto crucial. La depresión continúa afectando a millones hoy.
El automat, junto con muchas de la tolva, otras pinturas, reflejan el aislamiento de la población urbana, cada uno que vive y no está a diez pies el uno del otro y, sin embargo, separado por una distancia más allá mero movimiento. Tal es un Golfo de la actitud del ser. La ciudad era el terreno de la deshumanización, ya que cada iota de la humanidad es reemplazado, destruido o ignorado sistemáticamente. La pintura de Hopper fue una forma sutil de mostrar los efectos de la vida urbana, la alienación y el alejamiento le dieron al habitante de la ciudad.
